Miguel Angel BuonarrotiMichelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.1 Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia y los diferentes papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido, y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti. Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino. Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole:
...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
Biografia
Familia
Nació el 6 de marzo de 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca deArezzo.7 Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba con seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales,como el de corregidor de Caprese en la época en que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano, pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.
El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero. De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».
Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor, Leonardo, se hizo monje dominico en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia.
Aprendizaje
Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos Ghirlandaio (Domenicoy Davide); su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años:1488.Yo, Ludovico di Lionardo Buonarota, en este primer día de abril, inscribo a mi hijo Michelangelo como aprendiz de Domenico y Davide di Tomaso di Currado, durante los próximos tres años, bajo las condiciones siguientes: que el dicho Michelangelo ha de permanecer durante el tiempo convenido con los anteriormente citados para aprender y practicar el arte de la pintura y que ha de obedecer sus instrucciones, y que los nombrados Domenico y Davide habrán de pagarle en estos años la suma de veinticuatro florines de peso exacto: seis durante el primer año, ocho el segundo año y diez el tercero, en total una suma de noventa y seis liras.
Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino.Estas relaciones lo pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética.
Según Giorgio Vasari, un día, saliendo del jardín de los Médicis -o, según Benvenuto Cellini, de la capilla Brancacci, donde él y otros alumnos aprendían a dibujar delante de los frescos deMasaccio-, fue cuando Pietro Torrigiano le dio un puñetazo y le rompió la nariz; como consecuencia, le quedó la nariz chata toda la vida, tal como se aprecia claramente en todos sus retratos.
Recorrido artístico
Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por Venecia, instalándose después en Bolonia. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en el año 1496 decidió partir hacia Roma, ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, fue acreditado como un artista de primera línea. Después del Bacus delBargello (1496), esculpió la Piedad del Vaticano a los veintitrés años, y posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma época es el cartón de La batalla de Cascina, actualmente perdido, pintado para la Señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de la escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de mármol, que fue colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia y se convirtió en la expresión de los supremos ideales cívicos delRenacimiento.
En marzo de 1505, Julio II le encargó la realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se loaba el triunfo de la Iglesia. El escultor, entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios. Desgraciadamente, al regresar a Roma, el papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo, absorbido como estaba con la reforma de Bramante en la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre de 1506, después de numerosas llamadas del pontífice que, hasta le llegó amenazar con la excomunión, se reunió con él en Bolonia.
En mayo de 1508 aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica del Génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes que conseguirían ser un símbolo del arte del Renacimiento.
Después de la muerte de Julio II, en mayo de 1513, el artista hizo un segundo intento de seguir con la obra del mausoleo del pontífice. Con este propósito esculpió las dos figuras de losEsclavos y el Moisés, que reflejan una atormentada energía, la terribilitá de Miguel Ángel. Pero este segundo intento tampoco prosperó.
Finalmente, después de la muerte de Bramante (1514) y de Rafael Sanzio (1520), Miguel Ángel consiguió la total confianza del papado.
El gran retardo con que Miguel Ángel obtiene en Roma el reconocimiento oficial ha de ser atribuido a la heterodoxia de su estilo. Le faltaba lo que Vitruvio llamaba decòrum, es decir, el respeto por la tradición.Ackerman, (1968),
En 1516, por encargo de León X, inició la fachada de la Basílica de San Lorenzo, trabajo que en el año 1520 debió abandonar con gran amargura. Del proyecto original se conservan numerosos dibujos y una maqueta de madera. A partir de 1520 y hasta 1530, Miguel Ángel trabajó en Florencia y construyó la Sacristía Nueva de San Lorenzo y la Biblioteca Laurenciana, en especial su escalera. Después del saqueo de Roma (1527) y de la expulsión de los Médicis de Florencia, Miguel Ángel formó parte, como hecho meramente anecdótico, del gobierno de la nueva República Florentina, de la cual fue nombrado «gobernador y procurador general de la fabricación y fortificación de las murallas», y participó en la defensa de la ciudad asediada por las tropas papales. En el año 1530, después de la caída de la República, el perdón de Clemente VII lo salvó de la venganza de los partidarios de los Médicis. A partir de este año reemprendió los trabajos de la Sacristía Nueva y del sepulcro de Julio II.
En 1534, al encontrarse a disgusto con la nueva situación política que se había instaurado en Florencia, abandonó la ciudad y se estableció en Roma, donde aceptó el encargo de Clemente VII para trabajar en el altar de la Capilla Sixtina y donde, entre 1536 y 1541, realizó el magnífico Juicio Final. Hasta el año 1550 fue haciendo obras para la tumba de Julio II, y los frescos de la Capilla Paulina que representan La conversión de san Pablo y el Crucifixión de san Pedro.
Vida amorosa
Miguel Ángel pretendía interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró. Su inclinación natural por la materia, por las formas físicas -era por encima de cualquier cosa, un escultor de cuerpos-, unida a su fascinación por todo lo joven y vigoroso, emblemas de la belleza clásica, lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta muy avanzada su vida. Esta conflictividad enriquecedora con la que el artista vivió su deseo carnal, también afloró en el enfrentamiento con una supuesta homosexualidad.
El artista mantuvo relación con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en 1543, Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de Santa María in Aracoeli de Roma, y encargó que la realizase su discípulo Urbino. También Giovanni da Pistoia, joven y bello literato, fue durante un tiempo íntimo amigo, y algunos estudiosos plantean que mantuviera una relación amorosa con Miguel Ángel en la época que empezó a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina; esta relación queda reflejada en unos sonetos muy apasionados que Giovanni le dedicó.
Tommaso Cavalieri
En un viaje realizado a Roma en 1532, conoció al joven Tommaso Cavalieri, un patricio de inteligencia poco común y amante de las artes que dejó en el artista una viva impresión. Poco después de conocerlo, le envió una carta en la cual le confesaba: «El cielo hizo bien impidiendo la plena comprensión de vuestra belleza... Si a mi edad no me consumo aún del todo, es porque el encuentro con vos, señor, fue muy breve».
Hace falta recordar que la Academia Platónica de Florencia quiso imitar la ciudad griega dePericles. Esta asociación cultural de carácter filosófico, promovía el díalogo intelectual y la amistad entre hombres en un tono idealista, semejante a la relación de Sócrates con sus discípulos en la antigua Grecia. Dentro de este contexto es donde se puede entender lapsicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel. El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica».
Tommaso Cavalieri era un muchacho de 22 años; de buena familia, aficionado al arte, ya que pintaba y esculpía. Varchi decía de él que tenía «un temperamento reservado y modesto y una incomparable belleza»; era, pues, muy atractivo a la vez que ingenioso. En su primer encuentro, ya causó una profunda impresión en Miguel Ángel, y al pasar el tiempo la relación se transformó en una gran amistad, con una pasión y una fidelidad que se mantuvo hasta la muerte.
Miguel Ángel, por el contrario, era un hombre de 57 años, que se encontraba en el cenit de su fama; contaba con el soporte de los diversos papas y Tommaso lo admiraba profundamente. Parece que la amistad tardó cierto tiempo en producirse, pero cuando se consolidó llegó a ser muy profunda hasta el punto que Cavalieri, ya casado y con hijos, fue su discípulo y amigo mientras vivió Miguel Ángel y lo asistió en la hora de su muerte.
Vittoria Colonna
Vittoria Colonna era descendiente de una familia noble, y una de las mujeres más notables de la Italia renacentista. De joven se casó con Fernando de Ávalos, marqués de Pescara, un hombre poderoso que murió en la batalla de Pavía cuando luchaba en el bando español al servicio deCarlos I. Después de la muerte de su esposo se retiró de la vida cortesana y se dedicó a la práctica religiosa. Se unió al grupo de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole yGhiberti, que seguían una doctrina que apostaba por una contrarreforma.
En Roma, en el año 1536 y en el convento de San Silvestro a Montecavallo, el artista conoció a esta dama y desde el principio hubo una empatía mutua, quizá porque los dos tenían las mismas inquietudes religiosas y ambos eran grandes aficionados a la poesía. Según Ascanio Condivi, Miguel Ángel «estaba enamorado de su espíritu divino» y, como era un gran admirador deDante, ella representaba lo que el personaje de Beatriz significaba para el poeta. Esto se desprende de la lectura de los poemas dedicados a Vittoria, así como de los dibujos y los versos que le regaló, todos de temática religiosa: una Piedad, una Crucifixión y una Sagrada Familia.
Vittoria murió en el año 1547, hecho que dejó a Miguel Ángel sumido en el dolor más profundo. Tal como él mismo confesó a Ascanio Condivi, «No había tenido dolor más profundo en este mundo que haberla dejado partir de esta vida sin haberle besado la frente, ni el rostro, como le besó la mano cuando fue a verla en su lecho de muerte».
Últimos años
Durante los últimos veinte años de su vida, Miguel Ángel se dedicó sobre todo a trabajos de arquitectura: dirigió las obras de la Biblioteca Laurenziana de Florencia y, en Roma, la remodelación de la plaza del Capitolio, la capilla Sforza de Santa María Mayor, la finalización delPalacio Farnese y, sobre todo, la finalización de la Basílica de San Pedro del Vaticano. De esta época son las últimas esculturas como la Piedad Palestrina o la Piedad Rondanini, así como numerosos dibujos y poesías de inspiración religiosa.
El proyecto de la basílica vaticana, en el que trabajó durante los últimos años de su vida, simplifica el proyecto que concibió Bramante, si bien mantiene la estructura con planta de cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones que engloban los elementos principales, sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto.
Murió el año 1564 en Roma, antes de ver acabada su obra, a la edad de ochenta y ocho años, acompañado por su secretario Daniele da Volterra y por su fiel amigo Tommaso Cavalieri; había dejado escrito que deseaba ser enterrado en Florencia. Hizo testamento en presencia de su médico Federigo Donati, «dejando su alma en manos de Dios, su cuerpo a la tierra y sus bienes a los familiares más próximos». Su sobrino Leonardo fue el encargado de cumplir con esta última voluntad del gran artista, y el 10 de marzo de 1564 recibió sepultura en la sacristía de la iglesia de la Santa Croce; el monumento funerario fue diseñado por Giorgio Vasari el año 1570. El 14 de julio se celebró un funeral solemne; fue Vasari quien describió estos funerales, donde participaron, además de él mismo, Benvenuto Cellini, Bartolomeo Ammannati y Bronzino.
http://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_%C3%81ngel
Florencia:
Capital de Italia entre 1865 y 1871 durante la Unificación italiana, en la edad mediafue un importante centro cultural, económico y financiero. Conoció su época de mayor esplendor tras la instauración del Gran Ducado de Toscana bajo el dominio de la dinastía Médici.
Florencia es el núcleo urbano en el que se originó en la segunda mitad del siglo XIV el movimiento artístico denominado Renacimiento, y se la considera una de las cunas mundiales del arte y de la arquitectura. Su centro histórico fue declaradoPatrimonio de la Humanidad en 1982, y en él destacan obras medievales y renacentistas como la cúpula de Santa María del Fiore, el Ponte Vecchio, laBasílica de Santa Cruz, el Palazzo Vecchio y museos como los Uffizi, el Bargello o la Galería de la Academia, que acoge al David de Miguel Ángel.
http://es.wikipedia.org/wiki/Florencia
Roma:
Roma (IPA: ['roːma]) es una ciudad italiana, de 2 796 102 habitantes, capital de la provincia de Roma, de la región del Lacio y de Italia. Es el municipio más poblado de Italia y es la cuarta ciudad más poblada de la Unión Europea; porantonomasia, se la conoce como la Ciudad Eterna, l'Urbe ("la Ciudad") o Città Eterna.
Es la ciudad con la más alta concentración de bienes históricos y arquitectónicos del mundo; su centro histórico delimitado por el perímetro que marcan lasmurallas aurelianas, superposición de huellas de tres milenios, es la expresión del patrimonio histórico, artístico y cultural del mundo occidental europeo. En 1980, junto a las propiedades extraterritoriales de la Santa Sede que se encuentran en la ciudad y la Basílica de San Pablo Extramuros, fue incluida en la lista delPatrimonio de la Humanidad de la Unesco.
Roma, corazón geográfico de la Religión Católica, es la única ciudad del mundo que tiene en su interior un Estado extranjero, el enclave de la Ciudad del Vaticano:8 por tal motivo se le ha conocido también como la capital de dos Estados.
http://es.wikipedia.org/wiki/Roma
La cabeza de fauno es una escultura desaparecida de Miguel Ángel, se cree que fue copiada de otra antigua y ejecutada durante su aprendizaje en el Palacio Medici Riccardi de Lorenzo el Magnífico en Florencia, entre 1489 y 1492.
En la Casa Buonarroti se encuentra desde 1989, una escultura de Cesare Zocchi que está sin datar, pero se cree que la realizó a finales del siglo XIX, en la que representa a Miguel Ángel muy pequeño esculpiendo la cabeza de fauno, una escultura que se guardaba en losUffizi y que se pensaba que podría ser la de Buonarroti, desapareció durante la Segunda Guerra Mundial en un traslado realizado por las tropas alemanas.
http://es.wikipedia.org/wiki/Cabeza_de_fauno
Es una de las primeras esculturas realizadas por Miguel Ángel, de la misma época de cuando ejecutó la Batalla de los Centauros. Los detalles de cómo están realizados los pies de la Virgen, hacen pensar que es realmente una de sus primeras obras, incluso anterior a la de la Batalla. Está trabajada con el mismo estilo virtuoso de Donatello en la Virgen de la Leche, nombrado estilo stiacciato que significa literalmente «relieve comprimido». Vasari la describe:
No hace mucho tiempo que Leonardo ( el sobrino de Miguel Ángel) tiene también en su casa, en memoria de su tío, el bajo relieve de una Madonna de mármol, de medida no más grande que un brazo. Miguel Ángel la esculpió cuando era joven y copió el estilo de Donatello con tanto éxito, que parece obra suya, quitando que posee un diseño más gracioso. Leonardo posteriormente regaló esta obra al Duque Cosimo de Médici, quien la considera singular, ya que es la única escultura de bajorrelieve dejada por Miguel Ángel.
La Virgen está representada sentada, encima de un cubo de piedra; el Niño se encuentra de espaldas sentado sobre su regazo y mamando. La escalera puesta en la parte izquierda se cree que hace referencia a un libro publicado en 1477: Libro de la escalera del Paraíso, con la metáfora atribuida a San Agustín por la que la Virgen se convierte en escalera para la bajada de Jesús a la tierra y, a la vez, por la que pueden subir los mortales al cielo. También se cree que los cinco escalones representan las cinco letras del nombre de María y, siguiendo con los símbolos, la piedra cuadrada donde está sentada podría referirse a San Pedro, la roca sobre la que la iglesia fue fundada.
Regalada al Duque Cosimo en 1566, fue devuelta a la familia Buonarroti en 1617, permaneciendo desde entonces en la Casa Buonarroti
http://es.wikipedia.org/wiki/Virgen_de_la_escalera
El Crucifijo del Santo Spirito
El Crucifijo del Santo Spirito, es una obra escultórica de la juventud de Miguel Ángel, que se encuentra en la sacristía de la Basílica del Santo Spirito en Florencia.
Después de la muerte de su gran mecenas Lorenzo el Magnífico, Miguel Ángel fue hospedado en el convento del Santo Spirito en el año 1492. En este lugar, con la autorización del padre prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini, tuvo la posibilidad de analizar los cadáveres provenientes del hospital del convento para estudiantes de anatomía, consiguiendo de esta manera una gran experiencia para sus futuros trabajos en la representación del cuerpo humano.
Como agradecimiento a la hospitalidad recibida, Miguel Ángel realizó un crucifijo en madera policromada donde resolvió el cuerpo de Cristo desnudo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, así mismo el rostro parece el de un adulto con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está realizada con colores muy tenues y unos leves hilos de sangre en armonía con la simplicidad de la talla de la escultura. Se dio por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación en el año 1962, en el mismo convento, cubierto con una espesa capa de pintura que lo hacia, casi irreconocible.
http://es.wikipedia.org/wiki/Crucifijo_del_Santo_Spirito
El Hércules fue una escultura en mármol del año 1492 realizada por Miguel Ángel en Florencia y que en la actualidad se encuentra desaparecida.
Esta obra se realizó en una escala gigantesca y por el dibujo de Rubens se aprecia que se representó como un héroe joven con la cabeza girada hacia un lado, la clava apoyada en el suelo formando una diagonal, mientras la figura parece que está en reposo, el conjunto aparece como una estatua antigua, sin embargo los pliegues de la vestimenta están inspirados en el san Jorge de Donatello. Por los escritos de Ascanio Condivi se sabe la medida que era de “Bracia quatro”, es decir, 2,40 metros.
http://es.wikipedia.org/wiki/H%C3%A9rcules_(Miguel_%C3%81ngel)La Batalla de los centauros
La Batalla de los centauros es una escultura en relieve en mármol del escultor Miguel Ángeldatada cerca de 1493 y que se guarda en el museo de la Casa Buonarroti de Florencia. Sus medidas son de 84,5 x 90,5 cm.
Representa la acción del rapto de la princesa Hipodamia (esposa de Pirítou) por un centauro, historia relatada por Ovidio, la princesa se encuentra de espaldas, y la mitad de las figuras que serían los centauros, solamente se ve la parte superior de sus cuerpos, por lo que da la impresión que el relieve son todo desnudos masculinos, tiene un cierto parecido con el relieve del púlpito de la catedral de Siena, de loscondenados al infierno de Nicola Pisano.
http://es.wikipedia.org/wiki/La_batalla_de_los_centauros_(Miguel_%C3%81ngel)
La Arca de Santo Domingo
El Arca de Santo Domingo, es el monumento funerario que contiene los restos de Santo Domingo de Guzmán, en la basílica de Santo Domingo de Bolonia.
El San Petronio
El San Petronio es una escultura juvenil de Miguel Ángel, ejecutada entre el 1494 y 1495encontrándose colocada en la basílica de Santo Domingo en Bolonia.
La obra representa a San Petronio, obispo y patrono de Bolonia, fue ejecutada en un mármol ya esbozado por Niccolò dell'Arca. La figura de sesenta y cuatro centímetros, sostiene entre ambas manos la representación de la propia ciudad, cercada por la muralla donde se distinguen las torres Garisenda y de los Asinelli.
Se aprecia la influencia de Jacopo della Quercia en la disposición de los ropajes y de los pintores deFerrara, especialmente con la de Cosimo Tura.
http://es.wikipedia.org/wiki/San_Petronio_(Miguel_%C3%81ngel)
San Próculo,
San Próculo, es una escultura realizada por Miguel Ángel, en su periodo juvenil entre los años 1494y 1495 para el Arca de Santo Domingo, en el interior de la basílica de Santo Domingo en Bolonia.
Ejecutada junto con otras dos esculturas más: San Petronio y un Ángel para completar el trabajo que dejó sin acabar debido a su fallecimiento Niccolo dell'Arca, se aprecia un cierto parecido conDonatello.
Según un testimonio de fray Ludovico da Prelormo, anciano custodio del Arca de Santo Domingo, sobre la ruptura de la estatua de San Próculo en 1572:
En la víspera de San Domenico el pobre desgraciado fra Pelegrino rompe la estatua de San Procolo, la tiró al suelo en más de cincuenta piezas. Yo nunca he tenido en ochenta años, más intenso dolor en el corazón que este. Desde luego, me creí morir, vinieron los frailes a confortarme, y muchos maestros que dominan el arte, por lo tanto que se lo llevaron y la ajustaron a lo que en el presente se ve.
http://es.wikipedia.org/wiki/San_Pr%C3%B3culo_(Miguel_%C3%81ngel)
El Ángel
El Ángel, portacandelabro, es una escultura en mármol, realizada por Miguel Ángel en el año 1494 para el Arca de Santo Domingo de la basílica de Santo Domingo en Bolonia.
Por el fallecimiento en 1494 del escultor Niccolo dell'Arca que estaba realizando la decoración del sepulcro de Santo Domingo de Guzmán, se recurrió a Miguel Ángel, para la terminación de las imágenes de San Petronio, San Procolo y un Ángel portacandelabro que hiciera pareja con el ejecutado por Niccolo dell'Arca.
La obra del Ángel de Miguel Àngel, que es la única alada en toda su escultura, se muestra en un gran contraste con la delicada escultura de Niccolo dell’Arca, retorna Miguel Ángel a la escultura típica toscana del siglo XV, pero con un aire monumental, se aprecia en los ropajes un gran dinamismo con un claro recuerdo a Jacopo della Quercia. Esta obra se encuentra documentada en las biografías de Vasari y Condivi.
http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81ngel_(Miguel_%C3%81ngel)
El Crucifijo en madera de tilo o Crucifijo Gallin,
Por su tamaño se cree que era un trabajo destinado a la devoción privada. Su último propietario fue Giancarlo Gallino un comerciante de antigüedades. La atribución realizada como de Miguel Ángel, es una posición fuertemente impugnada por muchos especialistas en arte. La crítica se divide en lados opuestos,2 entre los que consideran que es una obra autógrafa realizada por el escultor florentino y en contraste a esta evaluación, hay quien cree que se trata de una obra en serie, fruto de la tradición artística de Florencia. En consecuencia, ha suscitado una gran perplejidad, a pesar de la investigación judicial del Tribunal de Cuentas, la decisión del Estado italiano a enfrentarse con el pago de una importante suma para la adquisición de la escultura
La obra fue descubierta en los años 1990 cuando el anticuario Giancarlo Gallino la presentó para su estudio a expertos sobre Miguel Ángel.Presunto origen de la familia Corsini
Una opinión en las telenoticias del 21 de diciembre de 2008, durante una aparición en un estudio de la RAI, de Roberto Cecchi, director general del patrimonio histórico-artístico, hizo una alusión a un origen florentino, no muy especificado pero dado por seguro: esta alusión se materializó en un fascinante pasado, que daba a la escultura como proveniente de la herencia de una antigua familia, los Corsini, distinguidos por haber contado entre sus miembros con un papa en el siglo XVIII (Clemente XII) además de un santo en el siglo XIV (San Andrés Corsini).5 En la iconografíade este personaje, retratado en una pintura por Guido Reni, dio la señal para un mayor enriquecimiento de la historia: el crucifijo, se relacionó con uno visible en la pintura de Guido Reni realizada en la primera mitad del siglo XVII. El origen de una familia florentina no concreta es mencionado también por Valeria Merlini, comisaria de la exposición del crucifijo en el Castello Sforzesco de Milán (abril-mayo 2009). La asociación de la imagen del crucifijo a la representada en la pintura de Guido Reni, es un acercamiento totalmente arbitrario y forzado, que se oponen las razones estilísticas: el Cristo en la cruz de Reni se considera «una invención típica del pintor boloñés, y que abrió el camino para los cristos de Gian Lorenzo Bernini y Alessandro Algardi».
En realidad, tanto la aparición de la nada en el siglo XX, como la impresionante historia del objeto de devoción de una ilustre familia patricia, fueron retirados de las investigaciones periodísticas y de los carabinieri. Al final resultó que, el crucifijo era un objeto que se encontraba hacía tiempo circulando en el mercado del arte: Giancarlo Gallino lo había obtenido en Florencia, de un compañero comerciante de antigüedades de la Via Maggio, mientras que antes la pieza había sido vendida en el mercado de Nueva York, donde el anticuarioflorentino la había adquirido por una modesta suma, «equivalente aproximadamente a unos 10.000 euros».
Primera exposición
Se exhibió por primera vez al público en el Museo Horne de Florencia en 2004, donde recibió una opinión positiva de la adjudicación por parte de Giancarlo Gentilini, Antonio Paolucci, Cristina Acidini, Umberto Baldini, Luciano Bellosi, Massimo Ferretti, —quien más tarde trató de aclarar su posición, definiendo no estar seguro para definirlo como obra de Miguel Ángel-. A esta atribución en artículos de prensa, se unieron de manera convencida el estudioso Arturo Carlo Quintavalle y, de manera más prudente y matizada, Vittorio Sgarbi:
La calidad es muy alta y es complicado imaginar otro escultor que pueda haber realizado una obra de este género.—Il Giornale del Piemonte, 23 de abril de 2004.
Después de la conclusión de la exposición, la obra fue puesta bajo la tutela del Ministerio de Cultura.
Los intentos anteriores a su venta
En el año 2006, la obra se fue oferta para su compra a la Cassa di Risparmio de Florencia, —que posee una gran colección de arte— con un pedido inicial de quince millones de euros:9 en unas pocas semanas frente a la cautela expresada por los expertos consultados por el instituto bancario, el propietario redujo su demanda a tres millones de euros, un movimiento, que hizo poco para convencer al banco para realizar su compra. La obra era ciertamente muy bella y el precio había sido muy reducido. Pero aún se dudaba para pagar esta oferta.
Venta al Estado italiano
El 5 de julio de 2007, Giuliano Gallino propuso la venta al ministerio, dirigido por Francesco Rutelli, por un total de dieciocho millones de euros.
Después de las opiniones expresadas por el Comité del Patrimonio Cultural, órgano técnico científico del ministerio, y el establecimiento de las negociaciones, la relación terminó en 2008, cuando el jefe del departamento fue reemplazado por Sandro Bondi. El 13 de noviembre de 2008, de hecho, la propuesta de compra se formalizó, por 3.250.000 euros, con Roberto Cecchi, en la dirección general del patrimonio histórico y artístico: la propuesta, aceptada por el vendedor al día siguiente, determinó la adquisición de la obra de artepor el Estado italiano. Se realizó una exposición en la Embajada de Italia ante la Santa Sede con la presencia del papa Benedicto XVI y el director de los Museos Vaticanos y más tarde en la Cámara de Diputados y en otros lugares, como el Castello Sforzesco deMilán. El crucifijo está en espera de un destino final en un museo de Florencia, el Bargello, o tal vez el Museo Bardini.
Paternidad de la obra
Atribución a la autoría de Miguel Ángel
La atribución de la obra ha recibido la opinión positiva de muchos estudiosos. En particular, se propone una confrontación directa con elCrucifijo del Santo Spirito, atribuido a una obra de Miguel Ángel de su juventud, donde prevalece un estilo dulce suave y religioso, diferente del dinamismo que se advierte en las obras de madurez, pero en el que vemos una extrema atención a los datos de laanatomía real, que Miguel Ángel había podido estudiar en los cadáveres del hospital en el convento agustino del Santo Spirito en Florencia. Incluso el pequeño crucifijo de tilo tiene un cuidado extremo en los detalles, bien visible en los tendones del pie o la rodilla, que no tiene parangón en las obras de otros maestros de la época. Incluso la expresión, es silenciosamente doliente pero no dramática, recuerda la obra del Santo Spirito, y responde perfectamente a la estética defendida por Savonarola, con una atención a la armonía típica del arte del Renacimiento —las proporciones del cuerpo están perfectamente inscritas en un círculo, como presenta el Hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci—. La datación se coloca, por analogía, entre 1495 y 1497 aproximadamente.
Opiniones contrarias
La atribución a Miguel Ángel es sin embargo rechazada por Margrit Lisner, «principal experta de los crucifijos florentinos del Renacimiento» que fue responsable de la asignación del Crucifijo del Santo Spirito al joven Miguel Ángel, sostiene que el pequeño crucifijo de tilo es obra de Andrea Sansovino.
Una posición negativa similar fue tomada por Paola Barocchi, profesora emérita de la Escuela Normal de Pisa, y una especialista de las más influyentes sobre Miguel Ángel. Sobre el crucifijo se expresó en estos términos:
...un producto fabricado en serie. Nada de Miguel Ángel, ni siquiera la escuela. Nos enfrentamos a un buen escultor y a sus compañeros de taller de finales del siglo XV. Ellos construyeron una docena de obras que en el 2004, junto con el Cristo en madera de tilo, falsamente atribuido a Miguel Ángel, fueron exhibidas en una exposición en el Museo Horne.
En la misma línea se expresó Francesco Caglioti, un especialista en la escultura del Renacimiento, que hizo hincapié en la imposibilidad estilística en el acercamiento al gran Crucifijo del Santo Spirito. El trabajo, en su opinión, encaja en la tradición de la artesanía artística, de los talladores florentinos, cuyo nivel de calidad es bien conocido por los estudiosos, con la garantía de Florencia en una supremacía verdaderamente artística. El deseo de dar a cualquier precio, el Crucifijo en madera de tilo, al trabajo único de Miguel Ángel, cubrirá con su sombra la alta calidad de esta tradición artística florentina, que no tenía igual en el Renacimiento.
La académica de la Accademia Nazionale dei Lincei, Mina Gregori se expresa de manera negativa sobre la autenticidad de la atribución y dijo que espera que el Estado vuelva a evaluar la posibilidad de un retorno al vendedor. Fue esta misma experta quien disuadió, a laSede central de la Caja de Ahorros de Florencia de participar en la compra, cuando el objeto se le había ofrecido con una suma final, incluso bastante menor.
Otras opiniones
Alessandro Nova, director del Kunsthistorisches Institut in Florenz, expresó su asombro al ver cómo «el gobierno, con todos los problemas que hay en la actualidad económica, están invirtiendo en obras de género y un similar bagaje de alto riesgo». Dentro del mismo contexto se encuentra el comentario de Claudio Pizzorusso, de la Universidad de Siena, sobre el «precio absurdo, en un contexto de problemas generales, [...] por una mera hipótesis, no por un verdadero Michelangelo», que está en contraste con la indiferencia general por «tantas obras de gran valor».8 Una corrección parcial ha sido expresada por Massimo Ferretti, en un principio entre los que se encontraban a favor, el cual ha dejado claro que «...no dijo que era de Miguel Ángel. De hecho, no he sido capaz de cuadrar el círculo de la atribución y al final me he puesto un signo de interrogación».
En algunas áreas de la crítica de arte, el hecho, también fue objeto de una cierta ironía:«¿Los italianos han despilfarrado 4,2 millones de dólares por un falso crucifijo de Miguel Ángel?» haciendo notar que no hay ninguna documentación en las biografías de la época.
http://es.wikipedia.org/wiki/Crucifijo_en_madera_de_tilo
Baco
La obra fue realizada por Miguel Ángel en su primer viaje el año 1496 a Roma, el encuentro en esta ciudad con la escultura antigua debió de inspirarle para la ejecución del Bacus que muestra una clara tendencia, a una interpretación de las obras, que en aquel momento, se estaban descubriendo por medio de las excavaciones en Roma.
En este sentido la describe Ascanio Condivi:
...esta obra en forma y manera, en cada una de sus partes, corresponde a la descripción de los escritores antiguos, su aspecto festivo: los ojos, de mirada furtiva y llenos de lascivia, como los de aquellos dados excesivamente a los placeres del vino. Sostiene una copa en su mano derecha, como el que está a punto de beber y la mira amorosamente, sintiendo el placer del licor del que fue inventor; por este motivo se le representa coronado con una guirnalda de hojas de vid...En su mano izquierda sostiene un racimo de uvas, del cual un pequeño sátiro alegre y vivo que está a sus pies, furtivamente disfruta.
Esta obra es claramente la primera gran obra maestra de Miguel Ángel, donde se muestra la característica constante de la sexualidad en su escultura, simboliza el espíritu delhedonismo clásico que Savonarola y sus seguidores estaban dispuestos a suprimir deFlorencia.
Muestra también esta escultura la característica constante en la obra del artista, de evocar la sexualidad, de forma andrógina, como la misma naturaleza del dios en la antigüedad que era ambigua y misteriosa, muestra el sátiro como referencia a Sileno, sátiro que había sido maestro de Bacus y la piel desollada y llena de uvas simboliza la vida sobre la muerte.
La escultura fue un encargo del cardenal Riario, rechazada por éste, fue comprada y se conservó en los jardines del banquero Jacopo Galli, donde fue dibujada por Martín Heemskerck hacia 1532 dónde se aprecia la falta de su mano derecha. Más tarde fue adquirida porFrancisco I de Médici en 1572 hasta su paso al Bargello en 1873.
http://es.wikipedia.org/wiki/Baco_(Miguel_%C3%81ngel)
El Crucifijo de Montserrat
El Crucifijo de Montserrat es una escultura de marfil recientemente atribuida al artistarenacentista Miguel Ángel.
Se cree que fue adquirido por el abad Marcet en el año 1920 durante un viaje realizado aRoma, en esa época se pensaba que era obra de Ghiberti. Desde el año 1959 se encuentra colgado de una gran corona de plata sobre el altar mayor de la basílica de Montserrat,(Barcelona).
http://es.wikipedia.org/wiki/Crucifijo_de_Montserrat_(Miguel_%C3%81ngel)
Piedad del Vaticano
La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizado por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.
Descripción e historia
Esta obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal.
Vasari dice de ella que «es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatiguen, ni en fortaleza, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol».
La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al que el autor conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en él se estipulaba, además del pago de 450 ducados de oro, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer emplazamiento fue sobre la propia tumba del prelado en laCapilla de Santa Petronila del Vaticano. La Piedad fue trasladada en 1749 a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro, la primera capilla a la derecha.
Fue la primera vez que el artista aborda este tema iconográfico, luego repetido a lo largo de su vida con diversos tratamientos, que ponen de manifiesto su evolución artística y espiritual. La última de esta serie de Piedades sería la denominada Piedad Rondanini, que dejó inacabada al caer enfermo y morir, y cuyo patetismo, que anticipa el barroco, nada tiene que ver con la serenidad clásicamente renacentista de esta obra de juventud.
El artista contaba entonces veinticuatro años, había trabajado los dos últimos años en la realización de las figuras de la Virgen con el cuerpo de Cristo en las rodillas y el pulimentado de todos los detalles. Miguel Ángel comenzó por escoger personalmente en las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana el bloque de mármol más apropiado, sobre el que después no haría más que seguir los impulsos de su arte como escultor, es decir, como refiere Vasari, quitando toda la materia pétrea sobrante del bloque hasta conseguir la forma pensada, pues para Miguel Ángel en el interior de un bloque de mármol está contenida toda la Naturaleza, el artista ve con los ojos del intelecto las formas encerradas en la piedra, en este caso el dolor de una madre que tiene sobre sus rodillas a un hijo asesinado; lo demás es cuestión de técnica y paciencia hasta descubrir las formas concretas.
Cuando la obra fue finalizada y entregada; algunos pusieron en duda que hubiera sido Miguel Ángel el verdadero autor de la misma, dudando de él por su juventud. Al enterarse, Buonarroti, en un arranque de furia grabó a cincel su nombre en la escultura, siendo esta la única obra firmada del artista. En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: «Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]» («Miguel Ángel Buonarroti, florentino, lo hizo»).
En esta escultura predominan las armonías de contraste. Hay tres:
Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María.Segunda armonía: El brazo derecho de Jesús cae inerte. Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que está lleno de vida y conmiseración.
Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en "sfumato".
Representa, como mencionamos anteriormente, el ideal de belleza del renacimiento.
Ataque a la obra
El 21 de mayo de 1972 (día de Pentecostés) la imagen sufrió un atentado cuando un geólogo australiano de origen húngaro, llamado Laszlo Toth, golpeó en apenas unos pocos segundos el rostro y uno de los brazos de la Virgen con un martillo en quince ocasiones, mientras gritaba ¡Yo soy Jesucristo, resucitado de entre los muertos!; rápidamente fue reducido y detenido.
La estatua sufrió graves daños, sobre todo en la figura de la Virgen: el martilleo había quitado cincuenta fragmentos, rompiendo su brazo izquierdo y el codo, mientras que la nariz de su rostro estaba prácticamente destruida, así como los párpados. La restauración se inició casi de inmediato, después de un período de estudio, y se llevó a cabo en la mayor medida de lo posible mediante la reutilización de los fragmentos originales, así como una pasta hecha de pegamento y polvo de mármol. Se llevó a cabo en unos laboratorios cerca de losMuseos Vaticanos, bajo la responsabilidad del director Deoclecio Redig de Campos y, gracias a la existencia de numerosos modelos, fue posible reanudar el trabajo con fidelidad, sin alteraciones arbitrarias.
El autor de este atentado, reconocido enfermo mental, se mantuvo en un manicomio italiano por un año y luego regresó a Australia. Desde entonces, la Piedad está protegida por una pared de vidrio especial a prueba de balas.
http://es.wikipedia.org/wiki/Piedad_del_Vaticano
David
El David es una escultura de mármol blanco de 5,17 metros de altura y 5.572kilogramos de masa, realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse conGoliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.
El David es una de las obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los historiadores, y una de las esculturas más famosas del mundo. Actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia, aunque hasta 1910estuvo ubicada en la Plaza de la Señoría de la capital toscana; desde entonces en su lugar se erige una copia de la obra a tamaño real realizada también en mármol.
Tras la expulsión de los Médici de Florencia en 1494, Miguel Ángel se había visto obligado a volver a la casa de su padre, viajando a Venecia, Bolonia y Roma. En Roma, el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede le había encargado la Pietà del Vaticano. Miguel Ángel no había realizado todavía ninguna obra importante en su ciudad natal, por lo que tomó una postura agresiva para que le encargasen a él la escultura del David, lo que generó tensiones con el resto de los escultores florentinos. El 16 de agosto de 1501, la Opera del Duomo de Florencia encargó oficialmente la escultura del David a Miguel Ángel, veinticinco años después de que Rossellino abandonase el trabajo sobre el bloque de mármol. El artista comenzó a trabajar en la escultura el 13 de septiembre, un mes después de recibir el encargo, y trabajaría en ella durante dos años.
Tras ver la obra ya terminada, el confaloniero de justicia Piero Soderini decidió finalmente ubicarla en la Piazza della Signoria, atribuyéndole a la obra un valor más civil que el religioso original. Miguel Ángel se impuso a una comisión de artistas célebres florentinos, entre los que se encontraban Andrea della Robbia, Piero di Cosimo, Pietro Perugino, Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli y Cosimo Rosselli, que pretendían colocar la estatua en la Loggia dei Lanzi. Miguel Ángel impuso su criterio de colocarla frente al Palazzo Vecchio, aunque esta decisión dejó al David desprotegido frente a las inclemencias del tiempo. La escultura fue trasladada desde la Opera del Duomo a la Piazza della Signoria la noche del 18 de mayo de 1504, y fue alzada y colocada en su emplazamiento definitivo el 8 de junio del mismo año. Finalmente, el David fue descubierto a la ciudad de Florencia el 8 de septiembre de 1504.
http://es.wikipedia.org/wiki/David_(escultura_de_Miguel_%C3%81ngel)
La Madonna de Brujas
La Madonna de Brujas es una escultura realizada en mármol por Miguel Ángel en el año 1504. De 1,23 metros de altura, se encuentra en la iglesia de Nuestra Señora de Brujas(ciudad de la actual Bélgica).
Fue realizada inmediatamente después que la Piedad del Vaticano, por encargo de unos mercaderes flamencos, los Mouscrom. La Virgen y el Niño presentan parecido movimiento en las vestiduras con la citada Piedad, pero aquí el grupo adquiere una solemnidad plástica, debido a su verticalidad, parecida a una arquitectura. El rostro de la Virgen es ovalado, de gran belleza clásica, y queda enmarcado por las ondulaciones del velo. Se encuentra como si estuviera en un momento de pensamiento profundo, mostrándose con una gran serenidad, mientras el Niño, de pie, está recostado entre las piernas de su madre y junta su mano con la de ella, dando con la energía de este gesto la sensación dinámica que él sostiene a ella.
Por una carta de Giovanni Balducci dirigida a Miguel Ángel con fecha 14 de agosto de 1506, se informa del traslado de la escultura a Brujas por Giovanni y Alessandro Moscheroni. Fue colocada en una capilla de la iglesia de Nuestra Señora, donde la vio Durero en 1521. En la época de Napoleón fue llevada a Francia y devuelta a Brujas en 1815; sufrió otra sustracción similar por parte de las tropas alemanas en la Segunda Guerra Mundial, pero terminó regresando a su ubicación original.
http://es.wikipedia.org/wiki/Madonna_de_Brujas
Es una de las obras de Miguel Angel, esta estatua pertenece a la epoca Renacentista (alta), esta ubicada en la Catedral de Siena en Florencia
La estatua se realizo entre los años 1503-1504, la estatua se realizó en marmol y mide 127 cm de altura.
San Pedro
Es una de las obras de Miguel Angel, esta en el altar de Piccolomini, pertenece a la epoca Renacentista (alta), esta ubicada en la Catedral de Siena en Florencia
Es una de las obras de Miguel Angel, esta en el altar de Piccolomini, pertenece a la epoca Renacentista (alta), esta ubicada en la Catedral de Siena en Florencia
La estatua se realizo entre los años 1503-1504, la estatua se realizó en marmol y mide 124 cm de altura
San Pío
Es una de las obras de Miguel Angel, esta en el altar de Piccolomini, pertenece a la epoca Renacentista (alta), esta ubicada en la Catedral de Siena en Florencia
La estatua se realizo entre los años 1503-1504, la estatua se realizó en marmol y mide 134 cm de altura
Tondo Taddei
El Tondo Taddei es una escultura en relieve redondo de mármol, realizada en 1504 por el escultor Miguel Ángel, y que actualmente se encuentra en la Royal Academy of Arts de Londres. Su medida es de 109 cm de diámetro.
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Florencia 1475-1564 Roma )
Tondo Taddei
El Tondo Taddei es una escultura en relieve redondo de mármol, realizada en 1504 por el escultor Miguel Ángel, y que actualmente se encuentra en la Royal Academy of Arts de Londres. Su medida es de 109 cm de diámetro.
Consta el bajo relieve, encargo de Taddeo Taddei, de los personajes de la Virgen con Jesús Niño y san Juan Bautista también niño, sosteniendo un pájaro en sus manos, símbolo de laPasión de Cristo. Las partes pulidas y completamente acabadas son el Niño y la parte superior de la Virgen. Destaca el claroscuro gracias al inacabado que consigue destacar más el contraste, también se aprecia, un gran dinamismo para la composición de líneas verticales rotas por la posición de Jesús que forma una línea horizontal.Tondo Taddei ( ca. 1503 , diámetro 40 pulgadas)
El Tondo Taddei ( en la Royal Academy , Londres ), y el Tondo Pitti ( en el Museo Nacional del Bargello , Florencia) son los únicos dos tondos (esculturas de socorro circulares) talladas por Miguel Ángel , producidas cuando estaba en la treintena . Vasari afirmaba que Miguel Ángel realizó dos tondos o menos al mismo tiempo que su bronce perdido David y su San Mateo.
Es claro que el maestro dejó estos dos relieves en un estado de incompleto . Sin embargo , si él intencionalmente prefiere dejarlos en un estado altamente sugestivo, o si sus numerosos compromisos le impidieron talla más profundamente y luego finamente pulido de ellos, quedará para siempre desconocido. Sabemos que él se negó a trabajar poco a poco en zonas aisladas ; más bien, él siguió cuidadosamente sus dibujos preparatorios y controló su capa de corte por capas, desde la primera a la segunda , y luego la tercera capas hasta que la composición completa surgió .
En consideración de lo exquisito acabado de la superficie de la Piedad del Vaticano, la Madonna de Brujas , el Baco, el David y el Moisés , algunos estudiosos se inclinan a creer que , con el tiempo suficiente a su disposición, él tendría plenamente terminado estos tondos con mayor detalle .
Sin embargo , en el Tondo Taddei la rugosidad del fondo sirve para destacar las figuras exquisitamente modelados de la Virgen y el Niño Jesús a medida que emergen desde el mármol. Sin embargo , los pies de Cristo y de la mano izquierda todavía aparecen encarcelado en el mármol apego . A la izquierda , el niño San Juan equilibra la composición, pero la falta de definición le hace parece estar emergiendo de la niebla de la piedra , por lo que acentúa su papel como una figura subordinada, como si se viera a la mitad en un sueño.
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Florencia 1475-1564 Roma )
Tondo Taddei
Seleccionado referencia de la literatura : Condivi , Vita di Michelangelo Buonarroti ... 1553 ; Giorgio Vasari , Vidas de los pintores más eminentes , escultores y arquitectos , 1550 ; Nathaniel Harris, El arte de Miguel Ángel, de 1983; Charles de Tolnay , Michelangelo: Escultor, pintor, arquitecto , 1975 ; Robert Coughlan , El mundo de Miguel Ángel 1475-1564 , 1972 ; Brandes , Georg . Miguel Ángel : su vida , su época, su era de 1963.
La recepción del David de Miguel Ángel en 1504 fue recibido con gran gratitud y el aprecio de los florentinos . Pero Miguel Ángel había completado varias obras más importantes durante este tiempo, incluyendo las esculturas de : la Virgen de Brujas con el Niño Jesús , el Tondo Pitti y el Tondo Taddei . Miguel Ángel estaba en su segunda estancia en Florencia durante la creación de la Tondo Taddei , tomando un descanso de sus mecenas romanos. Fue en este tiempo que Miguel Ángel estaba usando el tema de la Sagrada Familia y la Virgen con el Niño en varias de sus obras; incluyendo la Pieta en San Pedro .
Miguel Ángel trabajó en el Tondo Taddei entre el 1503-1505 y se hizo como un regalo para Taddeo Taddei , un "patrón de discriminación y coleccionista . " La pieza fue tallada en mármol y la inspiración vino de la " carga emocional " de la Sagrada Familia , que Michelangelo pintado para la familia Doni en Florencia alrededor de 1503.
Robert Coughlan explica que :
" El Tondo ... es una forma circular como medallones de tallas grandes , [que ] son una especialidad florentina. El Taddei Tondo fue tallada en alto relieve , y era lugar común para las piezas que se nombrará para las familias que los comisionados " .
En un artículo de Walter Pater , escribe el Tondo Taddei que:
" Miguel Ángel asegura que la idealidad de expresión, que en la escultura griega depende de un delicado sistema de abstracción , ya principios de la escultura italiana en bajeza de relieve, por un estado incompleto , lo cual es sin duda no siempre suscribe , y que confía en que el espectador para completar la media emergentes del formulario " .
Alivio de Miguel Ángel, el Tondo Taddei , es considerado por muchos como inacabada. Varios pontificaciones sobre esta teoría se recogieron y una opinión es que :
"Dentro de la obra de Miguel Ángel estos dos relieves circulares representan sus" pequeñas esculturas ", el estrés [ es el ] el tratamiento ' -género como ' del Taddei Madonna y el hecho de que estaba « destinado a una habitación en una casa burguesa. "
La composición del relieve de mármol pone un niño en la parte izquierda de la Tondo , que se caracteriza por Juan el Bautista, que está cerca de un tazón de bautizo de su cadera . El pájaro que se ve en las manos de John , que asusta al niño Jesús es un jilguero , que es un símbolo de la Pasión de Cristo. El uso del jilguero como un símbolo de la Pasión en una representación de Cristo como un niño es un elemento que presagia el futuro del niño Jesús inocente. En el conocimiento común de las veces el
" Jilguero se supone que es aficionado a alimentarse de espinas y por lo tanto recuerda la corona de espinas de Cristo. "
El Niño Jesús que está asustado por el jilguero en las manos de John , casi consciente de lo que será su destino,
" Busca refugio en el regazo de su madre, que dulcemente retiene el joven San Juan con la mano. "
Charles de Tolnay escribe que :
" La correspondencia entre la forma de la Tondo y la silueta redondeada del grupo llena que está más desarrollada ... y trabaja desde la circunferencia hacia el centro , lo que acentúa el borde del círculo con los cuerpos de la Virgen y San Juan, y uniéndolos con la diagonal de la figura de Cristo " .
La Madonna en este relieve :
" Se sienta relajado , de perfil , con la cabeza inclinada sobre un delgado cuello finamente modelada , con el pelo totalmente cubierto por un pañuelo . Ella se enfrenta el pequeño San Juan ... el niño Jesús , sorprendido al pájaro aleteando , que busca escapar de la reclusión , huye al regazo de su madre , tropezando con la pierna izquierda " .
Para hacer frente a la curiosidad de la mirada de la Virgen y su aparente falta de enfoque en el niño Jesús o San Juan; Georg Brandes describe su aparición como :
" Una calidad sublime y de ensueño dando a entender que la idea [ de la Virgen ] son en otro lugar ... Mira a St. John , pero no lo ve , más de lo que hace su hijo asustado , a quien no se junte en su regazo. Ella es parte de un mundo más elevado , el verdadero mundo de Miguel Ángel. Sin embargo, las cifras lúdicas de los niños muestran que entre potencialidades imperfectamente desarrollados del artista el toque de luz no le faltaba " .
En 1823, el Tondo Taddei fue comprado por Sir George Beaumont , en Roma , y después de su muerte, y la muerte de su esposa, que se presentó a la Royal Academy de Londres en 1830.==Bibliografía consultada==
- Baldini, Umberto (1978). Miguel Ángel: La Escultura. Editorial Teide. ISBN 84-307-8163-3.
El Tondo Pitti,
El Tondo Pitti, es una escultura realizada en relieve de mármol con un diámetro horizontal de 82 cm y vertical de 85,5 cm por el escultorMiguel Ángel, hacia el año 1503 y que se conserva en el Museo Nazionale del Bargello de Florencia.
Consta el tondo o círculo, de tres personajes, la Virgen María con su hijo Jesús y San Juan Bautista, el gran dinamismo de la escultura es el giro de la Virgen que rompe con los dos puntos estáticos del asiento cúbico donde se encuentra sentada y su cabeza mirando hacia el frente, los dos puntos rompen sobresaliendo la moldura del círculo, la composición es piramidal con frecuentes líneas horizontales y oblicuas que comportan una gran plasticidad. El Niño se encuentra en la derecha descansando sobre una libro abierto sobre las rodillas de su madre.
Fue encargado por Bartolomeo Pitti, más tarde regalado por su hijo Miniato Pitti a Luigi Guicciardini y finalmente fue adquirido en 1823para su exposición en el Bargello.
http://es.wikipedia.org/wiki/Tondo_Pitti
San Mateo,
San Mateo, es una obra escultórica en mármol de 2,61 metros de altura, que realizada por Miguel Ángel la dejó inacabada y se encuentra en la Galleria dell'Accademia en Florencia.
El 24 de abril de 1503 firmó el contrato el escultor con el Gremio de la Lana, donde se comprometía a realizar doce imágenes de losapóstoles para Santa María del Fiore. Sólo empezó la de san Mateo, ya que cuando Giuliano della Rovere fue escogido papa con el nombre de Julio II, lo llamó a Roma para encargarle la realización de su sepulcro, este encargo le hizo abandonar el proyecto de Florencia, el contrato del cual, fue anulado el 18 de diciembre de 1505.
La escultura de san Mateo inacabada, se parece a la de los esclavos, que más tarde, realizó el escultor para la tumba de Julio II, parece la figura surgir de la piedra, cargada con una gran emoción que en la época de Miguel Ángel, describían como de terribilitá
http://es.wikipedia.org/wiki/San_Mateo_(Miguel_%C3%81ngel)
Tumba del papa Julio II
Para Miguel Ángel, uno de los artistas más grandes de todos los tiempos, el proyecto de la tumba del Papa Julio IIse convirtió en la “tragedia de su vida”, ya que desde 1505 a 1543 tuvo que ver como su grandiosa obra iba menguando, quedándose sin patrocinadores y sufriendo críticas más o menos constantes.
Una vez en la “città eterna” Miguel Ángel ideó una colosal sepultura que se colocaría en la tribuna de la basílica. Dicho proyecto tenía como base un rectángulo de 10×7 m y en altura adquiría una forma piramidal hasta alcanzar los ocho metros, colocándose en lo alto el catafalco del Papa victorioso sostenido por ángeles y, bajo él, unas cuarenta estatuas de tamaño superior al natural. El cuerpo se albergaría en una cámara interior accesible por una puerta en la parte inferior, estando todo el conjunto decorado con victorias aladas, esclavos encadenados y otras alegorías del poder tanto político como religioso del Papa.
Las envidias de los artistas de la corte papal crecieron ante este proyecto y, mientras Miguel Ángel estaba en Carrara seleccionando mármoles, consiguieron desviar los intereses del Papa hacia otros campos. El temperamental artista decidió volver a su tierra al ver el desinterés del pontífice y no regresó a Roma hasta que se le encargó el techo de la Sixtina, acabado en 1512.
En 1513 muere el Papa y expresa en su testamento la voluntad de la continuación de su sepultura. Los herederos deciden eliminar el proyecto exento y hacerlo a modo de gran nicho en una pared, por lo cual las figuras proyectadas, como los santos sentados, tendrían que unirse más, estando todo más abigarrado, pero con un gran sentido ascensional y espiritual. En 1516 se sigue reduciendo el proyecto, que adquiere la forma de gran fachada con esculturas y los Papas León X y Clemente VII deciden interrumpir dicha obra. En 1524 los herederos de la familia Della Rovere piden a Miguel Ángel que devuelva el dinero que se le dio por anticipado y amenazan con querellarse contra él, respondiendo éste con nuevas simplificaciones del proyecto.
En medio del caos, le hacen otros encargos, como pintar el Juicio Universal ela Capilla Sixtina y, entre 1542 y 1545, el proyecto se ve finalizado, reaprovechando el portentosoMoisés y haciendo el escultor dos obras más: Raquel yLía; lo demás es realizado por colaboradores suyos, lo cual resta bastante calidad al conjunto, que se coloca en San Pietro in Vincoli y no en el Vaticano como se quiso al principio.
El Papa descansa desde entonces en una iglesia perdida de Roma a la que los turistas llegan solamente porque allí se guarda el Moisés, la escultura de mirada fulminante, la cumbre de la terribilità miguelangelesca. Las obras incompletas de esclavos, victorias, etc. quedan hoy diseminadas por los museos del mundo y en los callejones de Roma aún se pueden escuchar los lamentos y la rabia de quien fue tocado por los astros para crear lo divino en mármol, pero fue ninguneado por los mortales que, sencillamente, sentían envidia de su gloria fulgurante.
http://queaprendemoshoy.com/la-tumba-de-julio-ii-tragedia-miguelangelesca/
El Moisés es una escultura de mármol blanco y fue realizada en 1509, obra deMiguel Ángel (1475-1564), centrada en la figura bíblica de Moisés. Originariamente concebida para la tumba del papa Julio II en la Basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se colocaron finalmente en la iglesia menor de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La familia della Rovere, de la que el papa procedía, fueron los mecenas de esta iglesia, y el mismo papa había sido cardenal titular antes de su nombramiento como representante del Vaticano.
La estatua se representa con cuernos en su cabeza. Se cree que esta característica procede de un error en la traducción por parte de San Jerónimo del capítulo delÉxodo, 34:29-35. En este texto, Moisés se caracteriza por tener karan ohr panav("un rostro del que emanaban rayos de luz"), lo que San Jerónimo en la Vulgatatradujo por cornuta esset facies sua ("su rostro era cornudo"). El error en la traducción es posible debido a que la raíz trilítera hebrea krn (en hebreo las vocales no se escriben) puede ser interpretada "keren", luminosidad, resplandor, o "karan", cuerno. Cuando Miguel Ángel esculpió el Moisés el error de traducción había sido advertido, y los artistas de la época había sustituido, en la representación de Moisés, los cuernos por dos rayos de luz. No obstante Miguel Ángel prefirió mantener la iconografía anterior.
La tumba de Julio II, una estructura colosal que debía dar a Miguel Ángel el suficiente espacio para sus seres superhumanos y trágicos, se convirtió en una de las grandes decepciones de la vida del artista cuando el papa, sin ofrecer explicación alguna, interrumpió las donaciones, posiblemente desviando dichos fondos a la reconstrucción de San Pedro por parte de Donato Bramante. El proyecto original estaba formado por una estructura independiente, sin apoyo, de tres niveles, con aproximadamente 40 estatuas. Tras la muerte del papa en 1513, la escala del proyecto se redujo paulatinamente hasta que, en 1542, un contrato final especificó una tumba con un muro sencillo y con menos de un tercio de las figuras incluidas en el proyecto original.
El espíritu de la obra, sin embargo, se puede observar en la figura del Moisés, finalizado durante una de las reanudaciones del trabajo en 1513. Diseñado para ser visto desde abajo, y equilibrado por otras siete enormes formas de temática similar, el Moisés actual, en su contexto irrisorio comparado con el proyecto original, difícilmente puede tener el impacto deseado por el artista. El líder de Israel se presenta sentado, con las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que con la otra mano acaricia los rizos de su barba. La imaginación puede situar esta representación de Moisés en el pasaje de éxtasis tras recibir los Mandamientos en el Monte Sinaí, mientras que, en el valle al pie del monte, el pueblo de Israel se entrega una vez más a la idolatría. De nuevo, Miguel Ángel utiliza una cabeza vuelta, concentrando una expresión de tremenda ira que se refleja también en la poderosa constitución de la estatua y a sus ojos.
La relevancia de los detalles del cuerpo y de los pliegues de los ropajes, que provocan cierta tensión psíquica, se puede apreciar estudiando minuciosamente la escultura: la protuberancia de los músculos, la hinchazón de las venas, las grandes piernas, pesadas al empezar a moverse. Tal y como afirma un escritor, si este titán se levantara, el mundo se rompería en pedazos. Miguel Ángel lleva la cólera sagrada de Moisés hasta su punto más álgido. Sin embargo, la contiene, puesto que los pasionales seres del artista tienen prohibida la liberación de sus energías. Es una representación neoplatónica, la parte derecha está estable, es la parte divina, por donde le viene la inspiración, en contraposición la parte izquierda es la parte por donde le viene el peligro y el mal. Está tenso, viendo como su pueblo ha caído en la idolatría. Tiene cuatro elementos neoplatónicos, la tierra, representada en la pierna con los pliegues de la ropa a modo de cueva. El aire cuando respira, se percibe en las aletas de su nariz, que se expanden. El agua representada en sus barbas a modo de cascada. El fuego representados con esos "cuernos" (en pintura era fácil de representar, con una luz detrás del personaje, pero en escultura tuvo que emplear este artificio). La sangre fluye de manera contenida, parece que está a apunto de estallar y empezar a gritar, frunce el ceño, su psique se puede captar a través de su gesto y su mirada,podemos ver su pensamiento, es un trabajo psicológico muy estudiado.
Miguel Ángel pensaba que el Moisés era su creación más realista. La leyenda cuenta que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le dijo "¿porque no me hablas?", sintiendo que la única cosa que faltaba por extraer del mármol era la propia vida. En la rodilla se puede encontrar la marca de Miguel Ángel al golpear a su Moisés.
El trabajo de Miguel Ángel inspiró otra estatua de Moisés en la Fontana dell'Acqua Felice, pero ésta de muy discreta calidad.
http://es.wikipedia.org/wiki/Mois%C3%A9s_de_Miguel_%C3%81ngel
Esclavo revelde
Esclavo rebelde (c. 1513-1516) es una escultura de mármol por el reconocido artista Miguel Ángel Buonarroti. La escultura, altura 215 cm (7 pies), se encuentra en el Museo del Louvre, París. Esta situada a la izquierda del monimento de la tumba del Papa Julio II y la obra esta inacabada.
http://es.wahooart.com/@@/5ZKD88-Michelangelo-Buonarroti-Esclavo-Rebelde
http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Obras_de_Miguel_%C3%81ngel
Esclavo moribundo
Esclavo moribundo, es una escultura de mármol blanco creada hacia 1513 por el escultorrenacentista Miguel Ángel. Junto con otra del mismo autor, llamada Esclavo rebelde, se encuentra en el Museo del Louvre en París. Tiene unas medidas de 229 centímetros de altura
Empezó esta escultura Miguel Ángel, después de la realización de la pintura para la bóveda de la Capilla Sixtina. Estaba destinada para formar parte del grupo escultórico de la tumba del papaJulio II, que había de colocarse en la parte inferior del monumento.
Es de una belleza formal y espiritual, presenta un claro contrapposto, se expresa en un abandonamiento como de cansancio total, comparada con esculturas helenísticas del último periodo y con una clara influencia del Laocoonte y sus hijos, también, según el historiador Tolnay, con un san Sebastián de Antonio Rossellino. Vasari interpreta las esculturas de los esclavos con una iconografía de las provincias sometidas por Julio II al poder de la iglesia yAscanio Condivi con un significado de las artes liberales, dándole al Esclavo moribundo laalegoría de la pintura por la mona que tiene a sus pies.
Al ser eliminadas estas obras para el monumento de Julio II, Miguel Ángel regaló esta escultura junto con la del Esclavo rebelde, en 1546 a Roberto Strozzi, el cual hizo transportar las esculturas a Francia en abril de 1550. Enrique II de Montmorency en 1632, las regaló al cardenal Richelieu que las tuvo en su castillo de Poitou, donde las vio Bernini.1 Finalmente fueron confiscadas por el gobierno francés en el año 1793 cuando se pretendían vender por la viuda del último mariscal Richelieu. Desde entonces se encuentran en el Louvre.
http://es.wikipedia.org/wiki/Esclavo_moribundo
Es una obra de Miguel Angel, fue realizado en marmol y es de la epoca de 1513 y 1519-1535, esta obra esta en la Galeria de la Academia de Florencia, mide 256 cm de altura, el estilo es Renacentista
El papa Julio II encargó a Miguel Ángel su monumental mausoleo, que debía colocarse bajo la amplia cúpula de San Pedro del Vaticano. Tras múltiples complicaciones, el mausoleo quedó reducido considerablemente y se instaló en la iglesia romana de San Pietro in Vincoli, formando parte de él el colosal Moisés. Los cuatro esclavos que quedaron sin concluir fueron donados por Miguel Ángel al gran duque Cosme I, que los colocó en los Jardines de Bóboli, desde donde fueron trasladados a la Academia en 1909. El joven esclavo se representa con las rodillas ligeramente flexionadas, indicando cierto cansancio en su caminar. Levanta su brazo izquierdo por encima del hombro mientras que el derecho se desliza por la cadera. La sensacional figura parece emerger del bloque de mármol que en el fondo está sin trabajar, presentando diferentes grados de acabado. Así, la cabeza apenas está esbozada, el busto se define mejor en el lado izquierdo que en el derecho y en algunas zonas se aprecian las marcas de los instrumentos empleados por el maestro durante su ejecución ya que la estatua no recibió el tratamiento definitivo. Esta obra, al igual que sus compañeros -El esclavo despertándose, Atlas y El esclavo barbudo- nos hacen comprender la famosa técnica miguelangelesca del "non finito" en la que las formas, sin estar ejecutadas a la perfección, alcanzan una maestría casi insuperable, dando la sensación al espectador que las figuras desean abandonar la piedra para convertirse en obras de arte.
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/26747.htm
http://buonarroti-miguelangel.blogspot.com.es/2010/04/esclavo-atlante.html
Obra realizada en Mármol por Miguel Angel, es de la epoca Renancentista, fue realizada en la epoca 1513 y 1519-1535, mide 263 cm de altura. Actualmente se encuentra en la Galleria dell'Accademia de Florencia.
Esta figura es la más acabada del conjunto de esclavos que Miguel Ángel realizó para el mausoleo de Julio II. Su rostro está cubierto por una rizada y espesa barba -de ahí su nombre- mientras que sus muslos se ciñen por una tela. El busto exhibe un sensacional modelado, resaltando los detalles de su poderosa anatomía, demostrando Miguel Ángel su maestría como artista plástico.
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/26751.htm
Esclavo despertádose
Obra realizada en Mármol por Miguel Angel, es de la epoca Renancentista, fue realizada en la epoca 1513 y 1519-1535, mide 267 cm de altura. Actualmente se encuentra en la Galleria de la Academia de Florencia.
Esta figura estaba proyectada para formar parte del mausoleo del papa Julio II, junto a sus compañeros El joven esclavo, Atlas y El esclavo barbudo. Quizá sea ésta la más impresionante de las cuatro, al crearse el efecto de estar surgiendo de la piedra sin tratar, ya que la viril figura apenas deja emerger uno de sus costados. Los rasgos del rostro casi se esbozan mientras que la doblada pierna derecha se inclina hacia adelante, gesto que se repite en el brazo. De esta manera, la tensión y el dinamismo caracterizan una figura cargada de expresión, que pone de manifiesto la maestría del genio florentino.http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/26748.htm
Raquel
Obra realizada en Mármol por Miguel Angel, es de la epoca Renancentista, fue realizada en la epoca 1545
, mide
195 cm de altura. Actualmente se encuentra en San Pietro in Vincoli de Roma
Raquel (רחל, «oveja» en hebreo) fue la segunda esposa, y favorita, de su primo Jacob. Además fue la madre del patriarca José y de Benjamín. La hija menor de Labán, hermana pequeña también de Lea, aparece mencionada por primera vez en el Génesis de la Biblia hebrea.
Su primo Jacob la encontró en un pozo y quiso casarse con ella. El padre de ésta, su tío Labán, le dijo a su sobrino que dejaría que su hija pequeña se casara con él a cambio de siete años de servicio cómo pastor. Jacob aceptó y, según Rashí, su primo y ella sospecharon, previos a la boda, que Labán les engañaría para que se casara con Lea, la hermana mayor de Raquel y, por tanto, prima mayor del novio. Por ello, Raquel y Jacob idearon una serie de señas con las que la novia velada se identificaría ante el novio. Todo cambió cuando Raquel, viendo que su hermana sería deshonrada en público, le contó a ésta las señas acordadas con Jacob.
Cuando éste descubrió el engaño con la luz del día, el matrimonio ya había sido consumado yJacob aceptó el engaño de su tío, ofreciéndose a trabajar siete años más para conseguir casarse con Raquel (Génesis 29). Así pues, durante los finalmente 14 años que Jacob trabajó para su tío, se dice que éste envió a las dos sirvientas Bilha y Zilpa (algunos apuntan a que realmente eran las hijas pequeñas de Labán), a las que finalmente también desposó Jacob.
Cuando se presenta a Raquel en el texto (Gén. 29:17) se la describe cariñosamente como «de formas agraciadas y de hermosa apariencia» (hebreo: וְרָחֵל הָֽיְתָה יְפַת־תֹּאַר וִיפַת מַרְאֶה).
Mientras su hermana engendró rápidamente a 4 hijos, Raquel no pudo concebir durante muchos años. Entonces, siendo costumbre, ofreció a su marido su sirvienta Bilha, de la que nacieron dos hijos. Después de los dos niños y una niña que Lea le dio a Jacob, Raquel tuvo a sus dos hijos, durante el parto del último murió.
Fue enterrada por Jacob en el camino a Efrata, a las afueras de Belén. Actualmente, la tumba de Raquel es visitada por decenas de miles de turistas anualmente.
En Jeremías 31:15 el profeta habla de «Raquel que llora a sus hijos». Esto se interpreta en el Judaísmo como un llanto de Raquel por un fin para los sufrimientos de sus descendientes y los exilios que siguieron a la destrucción del Primer Templo de la antigua Jerusalén. Según el Midrash, Raquel habló ante Dios: «Traje a mi rival (Lea) a mi casa, ¿no puedes Tú perdonar a Tus hijos, que trajeron un simpleídolo de madera y piedra a Tu casa (el Templo de Jerusalén)?» Dios aceptó su súplica y prometió que, finalmente, el exilio terminaría y los judíos regresarían a su tierra.
http://es.wikipedia.org/wiki/Raquel
Lía
Obra realizada en Mármol por Miguel Angel, es de la epoca Renancentista, fue realizada en la epoca 1545
, mide 209
cm de altura. Actualmente se encuentra en San Pietro in Vincoli de Roma
Los Dos luchadores son un boceto de una escultura en arcilla de cerca de cuarenta centímetros de altura, atribuido a Miguel Ángel, datado cerca de 1525 y conservado en la Casa Buonarroti de Florencia.
Los Dos luchadores se encuentran entre los pequeños bocetos atribuidos al célebre escultor, uno de los que la crítica ha recogido opiniones más favorables para su atribución. Esta obra fue reconstruida en 1926, a partir de algunos fragmentos por Johannes Wilde, encargado por entonces de la Galería Giovanni Poggi. Sin saber las circunstancias de la creación de la obra, desde entonces comenzaron a circular varias hipótesis.
La primera hipótesis puso a la obra en relación con el Hércules y Anteo encargo realizado por Piero Soderini hacia 1508 a Miguel Ángel y que debería acompañar alDavid en el frente del Palazzo Vecchio. El artista estaba en ese período con los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina, pero parece que realizó un modelo que inicialmente había sido encargado al escultor Leone Leoni y que más tarde desapareció. Como es bien sabido, Miguel Ángel nunca trabajó en este encargo, aunque en Florencia se encontraba el bloque para esculpirlo. Se pensó entonces en Baccio Bandinelli, que se encontraba en 1525 en Florencia, pero el trabajo fue interrumpido por los desordenes relacionados con la expulsión de los Medici. Se vuelvió a hablar de la obra en 1528, cuando Miguel Ángel estaba en la ciudad y aceptó el encargo, sin embargo, cambió de tema haciendo un nuevo boceto de Sansón y los filisteos, que fue visto y comentado porVasari. La caída definitiva de la República de Florencia y el regreso de los Medici, no gustó al artista que, cuando se liberó de los lazos que le unían a las obras encargadas por Clemente VII para la Basílica de San Lorenzo, regresó a Roma sin volver a su ciudad (1534). La obra fue adjudicada a continuación, definitivamente a Bandinelli, quien en 1535 ralizó el Hércules y Caco, que aún se encuentra en la Piazza della Signoria.
Esta interpretación del boceto que ya se rechazó en 1928, cuando Wilde demostró la imposibilidad de realizar el tema de los «luchadores» en el bloque en el que se ejecutó la obra de Hércules y Caco. Sin embargo, la idea de que el trabajo estaba destinado a la Piazza della Signoria ha seguido circulando entre los estudiosos, con comentarios positivos de Charles de Tolnay, Hartt y otros.
Wilde propuso entonces una correlación con la tumba de Julio II, en particular y como muy probable, que el grupo debía cumplir como una pieza de acompañamiento (de pendant) en una hornacina, con el Genio de la Victoria, fechado alrededor de 1527 -1530. Esta es la hipótesis más aceptada hoy en día.
http://es.wikipedia.org/wiki/Dos_luchadores
Genio de la Victoria
El Genio de la Victoria fue esculpida en mármol por Miguel Angel entre 1532 y 1534, dentro un gran proyecto que le ocupó varios años de su vida, la Tumba del Papa Julio II, que puedes ver en la iglesia de San Pietro y Vincoli, en Roma, y del que forma parte otra de sus grandes obras maestras, el Moisés. Con una altura de 2,65 metros, el Genio de la Victoria nos muestra a dos figuras en lucha, de las cuales una es vencedora. La escultura se integraría en el citado sepulcro papal, pero finalmente Miguel Angel tuvo que desarrollar otro proyecto del mismo y el Genio de la Victoria permaneció en el estudio del artista hasta su muerte. Tras dicha muerte, la escultura del Genio de la Victoria fue adquirida para ser instalada en el Palazzo Vecchio, donde ahora la puedes ver en el lado sur de la principal (y enorme…) sala de dicho palacio, Salón del Cinquecento.
http://guias-viajar.com/italia/florencia/escultura-genio-de-la-victoria-miguel-angel-palazzo-vecchio/
Es una de las obras de Miguel Angel, de la epoca Renacentista, realizada en Mármol y se contruyo en 1526-1533.
La tumba de Juliano en la Capilla de los Medeci en la Basílica de San Lorenzo de Florencia, esta ornamentada con la Noche y el Día de Miguel Angel, junto a una estatua de Juliano de Pedro de Medeci, su tio cuya tumba esta tambien en la Capilla Medicea, su tumba a menudo es confundida con la de su tio. Mide 630x420 cm
http://es.wikipedia.org/wiki/Juliano_II_de_M%C3%A9dicis
Tumba de Lorenzo II de Médici
Crepúsculo y Aurora: Es una de las obras de Miguel Angel, de la epoca Renacentista, realizada en Mármol y se contruyo en 1526-1533.
La tumba esta adornada por sendas estatuas del Crepusculo y el Alba y una tercer estatua presenta al propio Lonrenzo, y esta ubicada en la Basílica de San Lorenzo de Florencia. Mide 630 x 420 cm
Virgen con Niño
Virgen con Niño
La Madonna de Brujas es una escultura realizada en mármol por Miguel Ángel en el año 1504. De 1,23 metros de altura, se encuentra en la iglesia de Nuestra Señora de Brujas(ciudad de la actual Bélgica).
Fue realizada inmediatamente después que la Piedad del Vaticano, por encargo de unos mercaderes flamencos, los Mouscrom. La Virgen y el Niño presentan parecido movimiento en las vestiduras con la citada Piedad, pero aquí el grupo adquiere una solemnidad plástica, debido a su verticalidad, parecida a una arquitectura. El rostro de la Virgen es ovalado, de gran belleza clásica, y queda enmarcado por las ondulaciones del velo. Se encuentra como si estuviera en un momento de pensamiento profundo, mostrándose con una gran serenidad, mientras el Niño, de pie, está recostado entre las piernas de su madre y junta su mano con la de ella, dando con la energía de este gesto la sensación dinámica que él sostiene a ella.
Por una carta de Giovanni Balducci dirigida a Miguel Ángel con fecha 14 de agosto de 1506, se informa del traslado de la escultura a Brujas por Giovanni y Alessandro Moscheroni. Fue colocada en una capilla de la iglesia de Nuestra Señora, donde la vio Durero en 1521. En la época de Napoleón fue llevada a Francia y devuelta a Brujas en 1815; sufrió otra sustracción similar por parte de las tropas alemanas en la Segunda Guerra Mundial, pero terminó regresando a su ubicación original.
http://es.wikipedia.org/wiki/Madonna_de_BrujasApolo
Es una de las obras menos conocida del maestro, se trata de una estatua de mármol de La estatua fue encargada por el Papa odiado gobernador de Florencia, Baccio Valori.. Miguel Ángel utilizó un enfoque pragmático y político. Esta figura ha tenido nombre doble por un largo tiempo, ya que no estaba seguro de si se trataba de una representación del héroe del Antiguo Testamento David o el dios griego del arte, Apolo.. Pero en la roca redonda, bajo un pie del joven, probablemente pueda reconocer la cabeza de Goliat: así, una vez más Miguel Ángel ha creado un David.
Hay una diferencia evidente entre esta figura y la que en 1504 ascendió a la posición del símbolo más poderoso de la República.. En lugar de la fuerza y la ira, encontramos melancolía, casi lamento. El héroe de la victoria ya no celebra su triunfo, la sangre que ha sido derramada parece haber mostrado el significado de sus actos y de sus consecuencias
http://buonarroti-miguelangel.blogspot.com.es/2010/02/david-apolo.html
http://www.youtube.com/watch?v=ZZDIVDRxIvE
El Joven en cuclillas
El Joven en cuclillas es una escultura de Miguel Ángel, que se encuentra en el Museo del Hermitage en San Petersburgo.
La escultura en mármol, es de 54 cm de alto y representa a un joven desnudo, doblado sobre sí mismo, tal vez la con la intención de quitar una espina del pie. Aunque no se trata de una escultura terminada, las características de la cara, el cabello y la forma del cuerpo son bien reconocibles.
Perteneció a los Médici, y fue adquirida por el banquero Lyde John Browne, un coleccionista inglés nombrado por la zarina Catalina II de Rusia, para comprar las obras de arte a las que añadir a su colección.
Sólo recientemente, el trabajo se ha atribuido seguro, a Miguel Ángel. Esto fue posible gracias a la estudiosa alemán Anny E. Popp, quien en 1923 relacionó esta obra con un dibujo, almacenado en el Museo Británico de Londres s primer proyecto de la Nueva Sacristía de la Basílica de San Lorenzo de Florencia, la iglesia que alberga las tumbas de la familia Médici. En el diseño son dos figuras agachadas, situadas en el perfil de la tumba dentro de hornacinas, de los cuales uno se parece al Joven en cuclillas.
El trabajo sobre las tumbas de los Médici se inició en 1524, mientras que el Joven en cuclillas se data entre 1530 y 1534, año de la salida del artista a Roma. En el momento en que Miguel Ángel dejó Florencia, la estatua quedó en el suelo de la sacristía y, a través de complicados viajes, resurgió en 1785 en las salas del Petit Ermitage.
Dado el objetivo inicial, el diseño de esta estatua necesita un significado alegórico, así como se ha dado una referencia a la estética de estilo clásico. Algunos autores consideran que es la representación de una de las almas "no nacido", para el limbo, o simplemente como un genio funerario, según otros, refiriéndose a la familia militar enterrados en el monumento, puede ser en realidad un guerrero o un prisionero.
http://es.wikipedia.org/wiki/Joven_en_cuclillas
Cristo de la Minerva
Cristo de la Minerva
Cristo de la Minerva es la denominación de una escultura de mármol, obra de Miguel Ángel, finalizada en 1521, que representa a un Cristo redentor, desnudo, abrazando la Cruz(el lienzo de pureza que oculta sus genitales es una adición posterior). Esta obra se encuentra en el lado izquierdo del altar mayor de la iglesia de Santa Maria sopra Minerva deRoma.
La primera versión de este obra se comenzó en 1514, por encargo de Pietro Paolo Castellano, Bernardo Cencio, Mario Scappucci y Metello Vari, que pretendían destinarla a la iglesia de la Minerva. Entre 1514 y 1516 Miguel Ángel trabajó en la talla hasta que, cuando ya estaba muy avanzada, tuvo que interrumpir su trabajo por la aparición en el mármol de una gran veta oscura que cruzaba el rostro de la figura.
Cuando se acercaba el término del contrato (cuatro años) los clientes insistieron en su ejecución. Por entonces Miguel Ángel se encontraba en Florencia, y recomenzó el trabajo en un nuevo bloque de mármol, comenzando una nueva versión en la que trabajó entre los años 1519 y 1520. En marzo de 1521 mandó la escultura a Roma, pidiendo a su discípulo Pietro Urbano que la terminara. Sin embargo, esta intervención no debió ser muy afortunada, ya que Sebastiano del Piombo escribió a Miguel Ángel para pedirle que cesara a Urbano y encargara la finalización del trabajo a Federico Frizzi. Se hizo así, y la escultura quedó terminada, colocándose en la iglesia para la que estaba destinada el 27 de diciembre de 1521. A pesar de todo esto, parece que Miguel Ángel aún propuso una nueva ejecución de la obra, pero Metello Vari no se lo concedió. En compensación, recibió la primera versión inacabada, que colocó en su jardín. De la estatua de este jardín queda la descripción de Ulisse Aldrovandi de 1556. Durante mucho tiempo se creyó perdida, hasta que en 2000 fue identificada por Irene Baldriga.
La espiral es la figura predominante en la composición de esta escultura con el contrapposto clásico. Cristo se encuentra abrazando la cruz y sostiene en la mano izquierda los símbolos del martirio, por lo que consigue un testimonio de la fe cristiana que la aleja del helenismo.
http://es.wikipedia.org/wiki/Cristo_de_la_Minerva
Brutus
Brutus es un busto en mármol, realizado en 1539-1540 por el escultor Miguel Ángel Buonarroti, se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia.
http://es.wikipedia.org/wiki/Brutus
Piedad florentina,
Piedad florentina, llamada también Piedad Bandini, del Duomo, de las cuatro figuras o Deposición, es una escultura en mármol que representa una variante de las tipologías iconográficas de la Pietà ("piedad") y de la Deposición de Cristo, realizada por Miguel Ángel y conservada en el Museo dell’Opera del Duomo en Florencia.
La Piedad Rondanini
La Piedad de Palestrina
Brutus
Brutus es un busto en mármol, realizado en 1539-1540 por el escultor Miguel Ángel Buonarroti, se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia.
Este encargo lo recibió a través de su amigo Donato Giannotti para el cardenal Niccolò Ridolfi, tiene una medida de 74 cm de altura sin contar la peana. Esta obra está relacionada con los bustos romanos de la época de Caracalla, mantiene una gran solemnidad y potencia, el ligero inacabado del rostro contrasta más fuertemente con los grandes pliegues de la toga completamente termiandos y pulidos. La expresión del rostro con los músculos tensos se refuerza en la poderosa torsión de la cabeza.
Fue adquirida entre los años 1574 y 1584 por el gran duque Francisco I de Médici, y se le añadió a su pedestal una cartela con los versos latinos: «Dum Bruti effigiem sculptor de marmore ducit - in mentem sceleris venit et abstinuit».
http://es.wikipedia.org/wiki/Brutus
Piedad florentina,
Piedad florentina, llamada también Piedad Bandini, del Duomo, de las cuatro figuras o Deposición, es una escultura en mármol que representa una variante de las tipologías iconográficas de la Pietà ("piedad") y de la Deposición de Cristo, realizada por Miguel Ángel y conservada en el Museo dell’Opera del Duomo en Florencia.
La escultura tiene una medida de más de dos metros de altura, y fue empezada hacia el año 1550 y realizada en Roma, donde el artista tenía su residencia habitual desde 1534. Representa el cuerpo de Cristo sostenido por Nicodemo, abrazado por la Virgen María y a la izquierda del grupo, María Magdalena. En el rostro de Nicodemo el artista realizó su propio autorretrato. En esta época ya Miguel Ángel estaba muy influido por su profundo pensamiento religioso, y este grupo escultórico lo realizó con el deseo que fuera colocado en su sepultura en la basílica de Santa María la Mayor en Roma.
La escultura la vendió Miguel Ángel a Francesco Bandini por doscientos escudos, ya que cambió de opinión y decidió ser enterrado en Florencia. La escultura estuvo en la villa romana de Francesco Bandini hasta su traslado y colocación en la iglesia de San Lorenzo de Florencia por Cosme III en 1674. Allí estuvo hasta que en el año 1722 fue transferida a Santa María del Fiore y finalmente desde 1960 se expone en el museo de la catedral.
A diferencia de la serenidad que representó en su primera realización de la Piedad del Vaticano, en esta demuestra su estado anímico presentando el dramatismo de la muerte con la angustia en los personajes. Los representan dentro de una composición piramidal, el Cristo se muestra como una figura "serpentinata" propia del manierismo. Tolnay lo ha interpretado alegóricamente:
Una vez más se patentiza el simbolismo de los lados: el derecho, donde se halla la Magdalena, es el de la Vida, y el izquierdo, donde está María, es el de la Muerte. Personificando a la divina Providencia, Nicodemo, como el sacerdote en unos esponsales, completa con profunda emoción la reunión de la Madre y el Hijo, tan deseada por María, El dolor por la muerte ha sido superado: los personajes vivos están invadidos del mismo sentimiento de beatitud que se lee en los serenos rasgos de Cristo muerto. Los cuerpos individuales se funden uno en otro, compenetrándose íntimamente como los sentimientos de los personajes. Esta nueva concepción de la Piedad es una demostración de que Miguel Ángel se ha reconciliado con la idea de la muerte, a la que ve ahora como la suprema liberación del alma.
Miguel Ángel insatisfecho por su obra, empezó a destruirla siendo detenido por su criado, aún actualmente es posible ver algunas roturas en el cuerpo de Cristo en el brazo y en la pierna izquierda y en los dedos de la mano de la Virgen. La figura de la Magdalena, a la izquierda del grupo, fue terminada por Tiberio Calcagni, alumno y amigo de Miguel Ángel, resaltando del resto del grupo por su dimensión más pequeña
http://es.wikipedia.org/wiki/Piedad_florentina
La Piedad Rondanini se encuentra en el museo del Castillo Sforzesco de Milán. Considerada como la última obra esculpida por Miguel Ángel, ya que estuvo trabajando en ella seis días antes de morir. Fue encontrada en su estudio después de su muerte e inventariada como:
Estatua iniciada de un Cristo con otra figura encima, juntas, esbozadas y sin acabar.
En agosto de 1561 Miguel Ángel regaló la figura, aún en ejecución, a su criado Antonio del Francese, a pesar de que continuó trabajando en ella hasta su defunción.
Más tarde fue adquirida por el marqués de Rondanini, permaneciendo en su palacio durante mucho tiempo. Finalmente, en 1956, fue adquirida por el ayuntamiento de Milán, que la destinó al museo Cívico del castillo de Sforzesco.
El grupo escultórico se encuentra sin acabar, y el trabajo se ve claramente que fue realizado en diversas etapas. Tiene partes completamente acabadas y otras aún en elaboración, como el rostro de la Virgen. De esta escultura, dice Georg Simmel que ya no hay "ninguna materia contra la que el alma tenga que defenderse. El cuerpo ha renunciado a la lucha por su propio valor; los fenómenos carecen de cuerpo".
Desde un punto ideológico la escultura se ha relacionado con el momento de la cultura reformista que rodeaba a Vittoria Colonna y donde participaba el escultor.
Referencias literarias
La escultura aparece en la novela de José Luis Sampedro "La Sonrisa Etrusca", cuando el protagonista en uno de sus paseos por Milán visita el museo del Castillo Sforzesco.
http://es.wikipedia.org/wiki/Piedad_RondaniniLa Piedad de Palestrina
La Piedad de Palestrina es una obra atribuida a Miguel Ángel, que se encuentra en laGalería de la Academia de Florencia, junto al David, otra escultura del artista , y consta de un grupo escultórico con Cristo, la Virgen María y María Magdalena, con una medida de dos metros y medio de altura.
El nombre de la obra proviene del hecho que durante un tiempo estuvo colocada en la capilla fúnebre del cardenal Antonio Barberini, en el interior de la iglesia de Santa Rosalía en Palestrina, donde por primera vez se encuentra citada como esbozo de Miguel Ángel en1756 en Storia di Palestrina por Cecconi, el estado italiano la compró en 1939 para exponerla en la Galeria de la Academia en Florència.
Existe una fuerte duda acerca de la paternidad de Buonarroti sobre esta obra, porque a pesar de su importancia, no se encuentra citada en ningún documento de la época, mientras el resto de su producción artística se encuentra referida con precisión.
Se especula que Miguel Ángel la hubiera esculpido directamente en una cantera de Carrara, mientras estaba ocupado en el suministro de mármoles para sus obras. En realidad, está esculpida en un gran bloque de mármol romano de la época imperial, incluso en su parte trasera se encuentra visible la decoración en forma de hoja de acanto de una parte de unarquitrabe antiguo.
Los autores que la atribuyen a Miguel Ángel la han colocado entre las últimas obras del maestro, realizada alrededor de 1550,(datada en Gazette des Beaux Arts (1907) por A. Grenier) cuando en Roma, sin ningún encargo , trabajada para sí mismo en el tema de la piedad, para la utilización en su sepultura. Se encuentra afinidad en algunos trazos del proyecto con otras obras del escultor, por ejemplo en la proporción de las piernas del Cristo, se piensa que el resto de la figura la pudo realizar bajo su dirección por un alumno.
http://es.wikipedia.org/wiki/Piedad_Palestrina
https://www.youtube.com/watch?v=zsGaJa3nKp8
https://www.youtube.com/watch?v=GV7oglVpJOU
https://www.youtube.com/watch?v=QS6qAqaVzNU
http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Obras_de_Miguel_%C3%81ngel
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