martes, 15 de abril de 2014

53 Biografias de los mas grandes guitarristas (1)

1. Carlos Santana

  • Biografía
Carlos Humberto Santana Barragán (Autlán de Navarro, Jalisco, México,20 de julio de 1947), es un guitarrista mexicano, multiganador delGrammy. Es considerado el 15º mejor guitarrista de todos los tiempos,según la revista Rolling Stone. Está casado con Cindy Blackman, conocida por ser baterista de Lenny Kravitz. Su hermano, Jorge Santana, también es músico y tocó con la Fania All-Stars, y también toca la Guitarra.

  • Primeros años
Su padre fue violinista en una banda de mariachi en Michoacán. De joven, Carlos aprendió a tocar el violín, pero lo cambió por la guitarra cuando tenía ocho años. En 1955 su familia se mudó a Tijuana, Baja California. Carlos se dedicó a estudiar la guitarra emulando los sonidos de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker bajo la tutela de Javier Bátiz. Mientras tanto tocaba con conjuntos locales como Los T.J.'s del cual era bajista, donde añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock 'n roll de la década del cincuenta.
Al principio se quedó en Tijuana para mejorar su pericia musical en los clubes locales, cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California en el año de 1961, pero pronto la siguió, se encontró matriculado en la escuela, aprendiendo inglés, y queriendo tocar música. Al mismo tiempo, Carlos fue sumergido en el ambiente pintoresco de San Francisco, con sus diversas influencias culturales y estilos musicales. El destino llevó a Carlos al sitio y época correcta, colocándolo en medio de la floreciente y enorme escena musical que era el área de la Bahía.
En 1965 recibió la ciudadanía estadounidense, En 1966 debutó con la Santana Blues Band y llegaron, del histórico Filmore West de Bill Grahams al escenario principal del memorable Woodstock Peace, Love, Music festival, donde el 16 de agosto de 1969, Santana entregó a las masas su explosión de rock con sabor latino. Su melodía: "Black Magic Woman" conocida en México como mujer de magia negra" abrió su participación. El tuvo otros éxitos importantes: "Soul Sacrifice", "Jingo", "Gypsy Queen", "Oye como va" con el clásico sonido de Santana raspando la guitarra, y su inolvidable éxito del año 1971: "Samba pa ti", "Nadie de quien depender", "Guajira". Su albúm Abraxas tuvo ventas importantes en México y Latinoamérica, con el sello CBS
En 1973 se une sentimentalmente a Deborah King, con quien ha procreado a sus hijos Salvador, Estela y Angélica.
  • Santana, el solista
Carlos Santana se quedó con el nombre de la banda y continuó su gira por los Estados Unidos con una serie de músicos distintos, lanzando varios álbumes. Durante este período Santana adoptó el nombre «Devadip», conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy. Sacó al mercado muchos álbumes en los 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds. En1991, Santana colaboró en el álbum de Ottmar Liebert Sólo para ti, en las canciones Reaching out 2 U y una grabación nueva de su propia canción "Samba pa' ti". Fue instalado en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998. Santana fue el único que participó en las dos versiones del cover de Michael Jackson We are the world:
En 1971 el general Juan Velasco Alvarado le prohibió tocar en el Perú y lo expulsó del país tras clasificarle "hippie imperialista".
En 1972 Santana tomó la delantera de John McLaughlin y se dirigió en una dirección espiritual, de jazz / fusión.
Desde 1976 todavía se estiró instrumentalmente, pero incluía rock convencional y elementos de baile, una combinación que ha mantenido. En este mismo año compuso uno de sus más grandes éxitos conocido como "Europa" misma que en su boceto original se denominó "ahí viene la señora con cara de hongo que viene al pueblo".
Para 1992 canceló su contrato con Columbia y después grabó con Polygram y Arista Records.
Mientras sus conciertos en vivo tenían una reputación para la excelencia, Santana no tenía un hit muy importante desde 1981 hasta 1999.
Santana surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, Wyclef Jean, Dave Matthews, y el grupo mexicano Maná. La intervención de Maná en el disco acompañando a la guitarra se debió a su buena relación con Fher Olvera. Supernatural se hizo platino 25 veces, fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy. El éxito del año 1999, fue "Smooth" con la cual permaneció en el número UNO de acuerdo con lista de Billboard, por 9 semanas.
En 2001 trabajó con Michael Jackson en la canción "Whatever Happens" del álbum Invincible.
En 2002, Santana sacó al mercado Shaman, revisitando el formato de artistas invitados, incluyendo P.O.D., Seal y Michelle Branch.
En 2006, Carlos Santana hizo una colaboración con la cantante colombiana Shakira en la canción Illegal del álbum Oral Fixation Vol. 2 que fue tercer single del disco.
En 2007 colabora en la canción "Into the Night" de Chad Kroeger, vocalista de Nickelback.
En 2010 saca al mercado el álbum Guitar Heaven con canciones como Back in Black de AC/DC y Whole Lotta Love de Led Zeppelin.
  • Santana, el artista
El mundo adoptó a Carlos con pasión. Estaban fascinados con su música siempre cambiante, exaltadora, creciente y consistente. Cada nuevo estreno, incluyendo ocho álbumes de oro y siete de platino, llegó de ser un reflejo del crecimiento y evolución personal de Carlos. Los aficionados también fueron encantados con sus mensajes, incitaciones gentiles hacia la paz, compasión, alegría y comprensión que consistentemente ha entregado de manera sincera y personal en sus espectáculos en más de 50 países.
Desde el álbum de estreno del conjunto de Santana, Santana, con el que consiguió doble platino y el siguiente de cuádruple platino de Abraxas, hasta el amplio retrospectivo juego encajado, Dance of the Rainbow serpent, estrenado en 1995, desde las obras solistas exitosas de Carlos, influenciadas por el jazz, al emocionante y sumamente personal Blues for Salvador, a su estreno especial en el álbum de John Lee Hooker, Chill Out... desde el álbum producido por G&G, Brothers, (que incluyó canciones por Carlos, su hermano Jorge y su sobrino, Carlos Hernández), hasta el estreno en 1996 de Mystic Man, por el compositor italiano, Paolo Rustichelli... Así como su participación en el Concierto para Bangladesh en 1971 con solo una interpretacion ¨Black Magic Woman¨ ...desde el vídeo retrospectivo en 1988, ¡Viva Santana!, hasta el vídeo del concierto en América del Sur en 1993, Sacred Fire, al estreno en 1997 del CD-ROM, The History of Santana: the river of color and sound y Live at the Fillmore (1968), un CD doble que muestra sesiones grabadas en los espectáculos del conjunto en 1968 en el club legendario San Francisco, queda claro que Carlos siempre demuestra una pasión intransigente para su expresión musical.
Esta pasión le ha permitido aventurarse en nuevos territorios tanto geográficos como musicales, incluyendo escorificar la película principal La Bamba, lanzarse en un recorrido en 1988 con el saxofonista de jazz Wayne Shorter y participar en el "Rock'n Roll Summit" de 1987, el primer concierto patrocinado en conjunto por los EE.UU. y la Unión Soviética en toda la historia. Además de ser un presente para beneficio de varias causas notables, tales como "Blues for Salvador", "California Earthquake Relief", huérfanos de Tijuana, los derechos de Gente Indígena y educación para la juventud latina en sociedad con Hispanic Media & Education Group (HEMG, por sus siglas en inglés).
A Carlos se le ha votado el mejor guitarrista de rock en un escrutinio de la revista Playboy y, en 1977, el conjunto Santana fue el primero en ganar honores de CBS Records Crystal Globe Award por haber vendido 5 millones o más álbumes internacionalmente.
Recibió un Grammy para el mejor espectáculo instrumental de rock en 1988 además de ser el sujeto de un concierto de tributo especial patrocinado por N.A.R.A.S. (por sus siglas en inglés) durante la celebración de los Honores del Grammy en1996 en coyuntura con su inducción dentro del Hollywood Rock Walk. Recibió diez honores de Bammy I incluyendo seis de El Mejor Guitarrista y tres honores de Músico del Año) y, en 1997, fue entre el grupo inaugural, junto con los finados Bill Graham y Jerry García, elegido al Bammy Hall of Fame.
En 1996, Carlos recibió Honor de Billboard Century, el honor más alto de la revista Billboard Magazine, para logro creativo, y fue nombrado Leyenda de la Música Latina del Año por el Chicano Music Awards en 1997. Además de sus honores musicales, Carlos también recibió numerosas alabanzas cívicas y humanitarias, incluyendo el Honor de Arthur M. Sohcot en 1997 para Servicio Público y Excelencia en su Espectáculo, en 1997, el honor de Golden Eagle Legend in Music de "Nosotros", un "Honor de Logro Especial" en 1999 la ceremonia de Honores del American Latino Media Arts (ALMA, por sus siglas en inglés). Y, el 17 de agosto de 1998, Carlos recibió su "estrella" en el Hollywood Walk of Fame, (el camino de la fama de Hollywood). Hoy en día, las ventas de Santana superan los 50 millones de discos.
El 25 de febrero de 2009 realizó su primera presentación en la 50ª edición del Festival de la Canción de Viña del Mar, en las cuales sumió al público en un trance de rock y ritmos tropicales durante 2 horas, las cuales le valieron llevarse los 3 trofeos que se entregan en esta cita (antorcha de plata, antorcha de oro y gaviota de plata.)
  • Guitarras y equipos
Sobre sus gustos, se sabe que sus guitarras favoritas son las Paul Reed Smith. Entre otras que ha usado se encuentra unaYamaha SG 2000 y Gibson SG con la que tocó en el famoso Festival de Woodstock. También se le llegó a ver durante los años 70`s con las famosas Gibson Les Paul, Fender Stratocaster, Telecaster ,y también en el 92 en un concierto en Japón, interpretó «Blues for Salvador» (su hijo), con una Yamaha RGX que en aquel tiempo era un prototipo que sólo habían hecho para él. La Gibson SG roja que Santana usó en Woodstock, se encuentra ahora expuesta en el Hard Rock Café deMarbella.
Guitarras: PRS (Paul Reed Smith) Modelo Santana SE, Santana I, II, III y ahora la MD teniendo siempre como favoritas las Santana I y II a nivel público.
Amplificadores: 70’s Marshall 100w head with a single 4x12” cab, ’65 Blackface Fender Twin, Mesa/Boggie Mark IV & Dumble Overdrive Special 100w head trough single 1x12 Altec-Lansing cab (este último para solos).
Pedales: Mu-Tron Wah, Ibanez TS-9 Tube Screamer, ProCo Rat, Ibanez Digital Delay, Alesis Midiverb, Custom made 4-way cambiador para los amplificadores.
  • Discografía

Albumes de estudio
Santana (1969)
Abraxas (1970)
Santana III (1971)
Caravanserai (1972)
Welcome (1973)
Borboletta (1974)
Amigos (1976)
Festival (1977)
Moonflower (1977)
Inner secrets (1978)
Marathon (1979)
Zebop! (1981)
Shangó (1982)
Beyond Appearances (1985)
Freedom (1987)
Spirits Dancing in the Flesh (1990)
Milagro (1992)
Supernatural (1999)
Shaman (2002)
All That I Am (2005)
Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics of All Time (2010)
Shape Shifter (2012)
Corazón (2014)

     Albumes en directo

Carlos Santana & Buddy Miles! Live! (junio de 1972) - POP #8; UK #29
Lotus (1974)
Sacred Fire: Santana Live in South America (1993)
Live at the Fillmore (1968) (1997)

En colaboracion
Love Devotion Surrender, con Mahavishnu y John McLaughlin (junio de 1973, Columbia) - POP #14; UK #7
Illuminations, con Alice Coltrane (septiembre de 1974) - POP #79; UK #40
Oneness: Silver Dreams Golden Realities (marzo de 1979, Columbia) - POP #87; UK #55
The Swing of Delight (agosto de 1980, Columbia) - POP #65; UK #65
Havana Moon (abril de 1983, Columbia) - POP #31; UK #84
Blues for Salvador (1987)
Santana Brothers (1994)
  • DVD
1979 - Down Under (Live). The Santana Marathon Rock Tour October 1979, en vivo en Australia
1991 - Live in Japan with Sadao Watanabe
1993 - Sacred Fire (LIVE IN MEXICO)
2000 - Supernatural LIVE
2002 - Live by Request (NY City)
2007 - Live at Montreauk Festival 1988 with Wayne Shorter
2007 - Hymns of Peace (live at Montreaux 2004)
2008 - Blues at Montreaux festival 2004
2009 - Festival de Viña del mar 2009

http://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_Santana

2. Paco de Lucia

    Paco de Lucia
  • Biografía
Francisco Sánchez Gómez (Algeciras, Cádiz, España, 21 de diciembre de 1947- Playa del Carmen, Quintana Roo, México, 25 de febrero de 2014), de nombre artístico Paco de Lucía, fue un compositor y guitarrista español de flamenco.
Recibió, entre otros muchos galardones, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1992), la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002) y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004).Fue Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por elBerklee College of Music, distinción concedida en mayo de 2010.
Aunque casi toda su obra se desarrolla en el flamenco, grabó algunos trabajos en otros estilos, como la música clásica, la fusión del flamenco con el jazz y otros estilos musicales.
  • Carrera musical
Tanto su madre, Lúcia Gomes La Portuguesa("españolizado" por Lucía Gómez), como su padre, Antonio Sánchez, influyeron mucho en su vocación. Recibió las primeras clases de guitarra de su padre, que a su vez había aprendido de la mano de Manuel Fernández "Titi de Marchena" (primo hermano de Melchor de Marchena, 1907-1980) en los años veinte, y de su hermano Ramón de Algeciras (1938-2009).Su padre hacía que Paco practicase la guitarra muchas horas diarias durante su niñez. El nombre "De Lucía" quedó ligado a él durante su niñez, ya que, como él mismo cuenta, en su barrio había muchos Pepes, Pacos, etc., y entonces se los identificaba por el nombre de la madre, por lo que él era conocido como "Paco, el de Lucía" en el barrio algecireño de La Bajadilla.
Era hermano de los artistas flamencos Pepe de Lucía (1945), cantaor profesional ya de niño, y del fallecido Ramón de Algeciras (1938-2009), guitarrista también profesional. Durante muchos años le acompañaron en grabaciones y giras, teniendo ellos sus propias carreras en solitario y trabajando con otros artistas.
A finales de los años sesenta conoce a Camarón de la Isla (1950-1992), con quien crea una mítica unión musical, fruto de la cual son los primeros discos de ambos. Se muestran como excelentes intérpretes del flamenco más ortodoxo. Grabaron diez discos entre 1968 y 1977. Después, juntos y por separado, fueron precursores de un flamenco más popular y mestizo entrando en el terreno del pop, el rock y el jazz.
  • Influencias y caracteristicas de su interpretación
Paco de Lucía recibió la influencia de dos escuelas: la del Niño Ricardo (1904-1972), considerado como una de las figuras más destacadas de la guitarra flamenca y el precursor más directo de Paco de Lucía, y la de Sabicas (1912-1990), a quien se considera como el máximo influyente en el desarrollo y perfeccionamiento de la guitarra flamenca como instrumento de concierto (antes, la guitarra era un instrumento de acompañamiento al cantaor).
La contribución de Sabicas en el flamenco es doble: por un lado, amplía la técnica de la guitarra flamenca (inventó, por ejemplo, la alzapúa en una cuerda y el rasgueo de tres dedos), y por otro destaca como un compositor de categoría, ya que sus obras se caracterizan no por unir falsetas ―frases líricas que toca el guitarrista cuando el cantaor deja de cantar―, sino por crear una estructura melódica, rítmica y armónica perfectamente coherente de principio a fin, como en cualquier obra clásica, cosa que en el flamenco nunca se había hecho, a excepción de algunas figuras coetáneas ―por ejemplo, Esteban de Sanlúcar (1910-1989), en creaciones comoMantilla de feria o Panaderos flamencos―. Pocas cosas cabe objetar al toque de Sabicas, que gozaba de una extraordinaria técnica con una amplia sonoridad ―muchas veces tocaba en los escenarios sin micrófono― debida a su fuerte pulsación y a la enorme calidad de sus composiciones.
"Yo no necesito nada, estaría todo el día echado. Soy el más indolente del mundo. Lo que pasa es que entro en la rutina y tengo compromisos, hago giras, más que ir yo, me llevan"
Paco de Lucia, en 2011.

La mayor contribución de Paco de Lucía al flamenco es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque. Está considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo, que se puede definir como vigoroso y rítmico. Este estilo se manifiesta en la calidad de numerosas obras del artista.[cita requerida] Entre ellas, Entre dos aguas (rumba), La Barrosa (alegrías), Barrio la Viña, Homenaje al Niño Ricardo (soleá),Almoraima (bulerías), Guajiras de Lucía y Río Ancho (rumba).
Es importante además el esfuerzo que ha realizado este artista por dar a conocer el flamenco al público de fuera de España y el haberse atrevido a "darle otro aire" mezclándolo con otros estilos, que, aunque de estructuras melódicas y rítmicas diferentes, pueden congeniar bien con él. Paco de Lucía ha abierto el camino para este tipo de experimentaciones y fusiones del flamenco con diversas músicas.
Otro aporte de Paco de Lucía al arte flamenco contemporáneo ha sido la inclusión del cajón. Este instrumento de la música afroperuana es conocido por Paco de Lucía en Perú a fines de los años setenta, de manos de Carlos Caitro Soto de la Colina, cajonero y compositor peruano. Paco de Lucía intuye y entiende, al conocer este instrumento peruano, que puede ser una solución a la permanente necesidad de percusión que requiere el flamenco, y lo añade, en complicidad con Rubem Dantas, a los elementos percusivos utilizados en su sexteto de entonces, convirtiéndose el cajón desde ese momento y con el paso del tiempo en un instrumento imprescindible del arte flamenco contemporáneo y, luego, de otras corrientes musicales internacionales.
  • Vida privada
Contrae matrimonio en Ámsterdam, donde tuvieron que viajar dada la oposición a la boda de la familia de la novia,con Casilda Varela Ampuero en 1977, con la que tuvo tres hijos, Casilda, Lucía, Francisco. Después de veinte años el matrimonio se separa. Paco conocería la que luego fue su segunda esposa, Gabriela Carrasco, en Cuba. Con ella tuvo dos hijos, Antonia y Diego.
La familia de Casilda Varela pertenecía a la oligarquía de Neguri procedente de Durango (su abuelo materno, José María Ampuero Jáuregui, fue alcalde foral de Durango y diputado provincial a Cortes, quien organizó las Fiestas Eúskaras que se celebraron en Durango en 1885). Su padre, José Enrique Varela, era militar con grado de general y llegó a ser ministro del ejercito con Francisco Franco, su madre era Casilda Ampuero. Esta familia tenía en propiedad la casa "Etxezuri" (Casa blanca en castellano) en la localidadvizcaína de Durango. Paco de Lucía y su mujer se solían retirar a esa casa para descansar y componer entre sus giras.
Paco de Lucía vivió sus últimos años en Playa del Carmen, una pequeña ciudad caribeña localizada en el estado de Quintana Roo,México a unos kilómetros de Cancún. En una entrevista para Magazine del diario El País aseguró que «Allí es donde de verdad disfruto en Playa del Carmen, con su mar tranquilito. Voy, me alquilo una casa y me dedico a la pesca submarina. Y luego me cocino lo que he pescado y ya está. No quiero más que eso. Ahora pienso mucho en el tiempo, que ya no tengo tanto. Por primera vez creo que tengo que darme prisa y quedarme más tiempo en casa y dedicarme a componer, que es en definitiva lo que va a quedar. Los conciertos se los lleva el aire».

Muerte
Paco de Lucía falleció a consecuencia de un infarto cardíaco el martes 25 de febrero de 2014 en la ciudad mexicana de Playa del Carmen en el estado de Quintana Roo, donde fue trasladado desde Tulum, lugar en que residía prácticamente todo el año. Según diversas fuentes, jugaba en la playa con sus hijos cuando empezó a sentirse mal. El artista falleció en el área de urgencias del hospital Hospitem, al que llegó con un fuerte dolor de pecho.
En el LV Festival Internacional de la canción de Viña del Mar 2014 se le rindió homenaje con un poema leído por el animador Rafael Araneda, a través de una carta enviada por la familia del músico español.
Un artista inigualable, referencia internacional de la mejor guitarra española, un maestro flamenco de alcance universal con innumerables admiradores en España y en toda América. También destaco que la guitarra de Paco de Lucía conmovía con sus acordes, transmitía pasión, sentimiento y emoción. Su larga y fructífera carrera logró acercar el flamenco al gran público, gracias a una combinación de pureza e innovación solo al alcance de los grandes maestros de la música. Todos los amantes del flamenco sentimos hoy un profundo pesar por la pérdida de este músico legendarioSu hija Lucía, cancela su boda, prevista para mayo de 2014 a causa de su fallecimiento, Paco iba a a ser el padrino.
Discografía

Discos en los que aparece

http://es.wikipedia.org/wiki/Paco_de_Luc%C3%ADa



Eric Clapton


3. Eric Clapton

Biografía
Eric Patrick Clapton, CBE (Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de1945) es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues británico, conocido por su magistral habilidad con la guitarra eléctrica, en concreto con su Stratocaster. Es conocido por el apodo de Slowhand ("Mano lenta"), desde su época en The Yardbirds y con el de God ("Dios") desde su época con Cream. Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rockpor partida triple: como miembro de The Yardbirds y de Cream y por su carrera en solitario. En opinión de muchos críticos, Clapton ha sido uno de los artistas de la cultura de masas más respetados e influyentes de todos los tiempos. Aparece en el puesto número 2 de la lista "Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el puesto número 55 de su especial "Inmortales: Los 100 artistas más grandes de todos los tiempos".Además, en 2005 la revista Guitar Worldincluyó cinco de sus canciones entre los mejores solos de guitarra de todos los tiempos.
Su estilo musical ha sufrido múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas con el blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera. Practicó elblues rock con John Mayall & the Bluesbreakers y The Yardbirds y el rockpsicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario: Delta blues en su álbum Me and Mr. Johnson, pop en su canción «Change the World» o reggae en su versión del tema de Bob Marley «I shot the Sheriff». Algunos de sus mayores éxitos han sido los temas «Layla» de su época con Derek and the Dominos, «Sunshine of your love» con Cream y «Tears in Heaven», dedicada a su fallecido hijo, que compuso con Will Jennings.
  • Primeros años

  1. Juventud
Eric Clapton nació en Ripley, Surrey, Inglaterra, como hijo extramatrimonial de la pareja formada por Patricia Molly Clapton (7 de enero de 1929 - marzo de 1999), de 16 años, y Edward Walter Fryer (21 de marzo de 1920 - 1985), un piloto militar de Montreal, Quebec, Canadá de 25 años. Su padre se encontraba destinado en el Reino Unido durante la Segunda Guerra Mundial y antes de que Eric naciera, regresó a Canadá junto a su esposa. El niño creció con su abuela, Rose, y su segundo marido Jack creyendo que eran sus padres, y que su madre era su hermana mayor. El apellido de sus abuelos era Clapp, mientras que Clapton es el apellido del primer esposo de su abuela Rose y abuelo materno de Eric (Reginald Cecil Clapton). Años después, su madre se casó con otro soldado canadiense (Frank MacDonald) y se mudó a Canadá, dejando a Eric a cargo de sus abuelos.Cuando Clapton contaba con 9 años de edad, averiguó la verdad cuando su madre y su hermanastro Brian regresaron a Inglaterra de visita. Esto supuso un punto de inflexión en su vida, haciéndole distanciarse de su familia y no aplicarse en el colegio.Su hermanastro, Brian, murió en un accidente de moto en 1974 a los 26 años. Clapton tiene otras dos hermanastras del segundo matrimonio de su madre; Cheryl (nacida en mayo de 1953) y Heather (nacida en septiembre de 1958).
Clapton creció siendo un niño callado, solitario, y en sus propias palabras, "un niño malo". Aun así Clapton es conocido por su sentido del humor. Eric se crio en un entorno musical, donde su abuela tocaba el piano y, tanto su tío como su madre, disfrutaban escuchando las Big Bands de la época. Su madre le contó en una ocasión al biógrafo oficial de Eric, Ray Coleman, que su padre era un músico de mucho talento, y que tocó en varias bandas de la zona de Surrey. Eric obtuvo su primera guitarra como un regalo con motivo de cumplir 13 años de edad. Era una guitarra acústica de la marca alemanaHoyer, que le resultó de difícil ejecución. Aún a pesar de su frustración inicial, dedicó muchas horas a aprender los acordes y a emular la música de los artistas de blues que escuchaba en su magnetófono de casete.
Después de abandonar el colegio en 1961, Clapton estudió en Kingston College of Art, del que fue expulsado por no progresar lo suficiente en el resto de las áreas del arte, centrándose únicamente en la música. Por esta época Clapton comenzó a frecuentar la zona de Kingston en Richmond (Londres). A los 17 años se unió a su primera banda "The Roosters." Permaneció en este grupo de enero a agosto de 1963. En octubre de ese mismo año tocó en siete conciertos con Casey Jones and the Engineers. Antes de dedicarse de lleno al mundo de la música Clapton se ganaba la vida trabajando de obrero junto a su abuelo.

  • Carrera musical
  1. The Yardbirds


En octubre de 1963, Keith Relf (que estudiaba con Clapton) y Paul Samwell-Smith reclutaron a Clapton para el grupo derock con influencias de blues The Yardbirds. Hasta la entrada de Clapton, el grupo estaba formado por Keith Relf (voz),Paul Samwell-Smith (bajo), Chris Dreja (guitarra rítmica), Jim McCarty (batería) y Anthony "Top" Topham (guitarra principal), siendo Clapton el sustituto de Topham.   Durante su período de 18 meses con The Yardbirds, Clapton se ganó su apodo de "slowhand" ("mano lenta").Sintetizando sus influencias de guitarristas de bluescomo Buddy Guy, Freddie King y B. B. King, Clapton se convirtió en uno de los guitarristas más populares de la escena musical británica.La banda comenzó a formarse un buen nombre, sobre todo después de ganar la vacante dejada por The Rolling Stones en el Crawdaddy Club en Richmond, Londres. Hicieron una gira conSonny Boy Williamson II, de la cual saldría el álbum Sonny Boy Williamson and The Yardbirds, grabado el 8 de diciembre de 1963 y editado en 1965. En su álbum de1964, Five Live Yardbirds, recrean versiones de R&B y blues americano, con largas improvisaciones y solos de guitarra, quedando clara la imaginación y confianza en sí mismo de Clapton.

Sin embargo, el grupo paulatinamente fue acercándose al estilo pop, para intentar entrar en las listas de venta, cosa que consiguieron con «For Your Love», que llegó al #2 en el Reino Unido y al #6 en Estados Unidos. Esta canción fue escrita por el compositor Graham Gouldman, que había escrito hits para el grupo adolescente Herman's Hermits y el grupo de pop The Hollies. Clapton seguía fuertemente comprometido con el blues, por lo que renegaba del nuevo rumbo pop de The Yardbirds. De esta forma, decidió dejar la banda y recomendó a Jimmy Page como su sustituto, quién se negó por lo bien que le iban las cosas como músico de sesión. Él mismo recomendó a Jeff Beck como sustituto, que por aquel entonces tocaba en una banda llamada The Tridents.De todas formas, Page se uniría posteriormente al grupo, primero tocando el bajo y después asumiendo junto a Beck el papel de guitarrista. Clapton, Beck y Page llegaron a tocar juntos en una mini-gira en beneficio de la esclerosis múltiple, además de en el álbum Guitar Boogie (1971).
2. Miembros de The Yardbirds durante la etapa de Eric Clapton
Eric Clapton - guitarra
Chris Dreja - guitarra
Keith Relf - voces, armónica
Paul Samwell-Smith - bajo
Jim McCarty - batería

3. John Mayall & the Bluesbreakers

Artículo principal: John Mayall & the Bluesbreakers
Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers en abril de 1965, renunciando apenas unos meses después, para marcharse a Grecia, a tocar con una banda inglesa llamada "The Glands", en la cual tocaba el piano un viejo amigo suyo, Ben Palmer, regresando a la banda de John Mayall en noviembre. Fue durante esta etapa donde se ganó el respeto unánime del circuito de clubes de Inglaterra. Aunque Clapton se ganó el reconocimiento mundial por su ejecución en el álbum Blues Breakers with Eric Clapton, este álbum no se comercializó hasta después de su marcha definitiva de la banda. Habiendo cambiado su Fender Telecaster y su amplificador Vox AC30 por una guitarra Gibson Les Paul Standard y un amplificador Marshall, el sonido de Clapton inspiró un grafiti muy bien promocionado que rezaba: "Clapton is God" ("Clapton es Dios"). La frase fue pintada por un seguidor en una pared de la estación de Islington en el subterráneo de Londres en otoño de 1967. La pintada fue captada en una famosa fotografía, en la que aparece un perro orinando en esa misma pared. Clapton dijo:
"Nunca acepté que fuera el mejor guitarrista del mundo. Siempre quise ser el mejor guitarrista del mundo, pero eso es un ideal, y lo acepto como tal."
4. Miembros de John Mayall & the Bluesbreakers durante la etapa de Eric Clapton

John Mayall - teclados, órgano, armónica, voces
Eric Clapton - guitarra
John McVie - bajo
Jack Bruce - bajo (marzo de 1966)
Hughie Flint - batería

5. Cream

Artículo principal: Cream
Clapton abandonó a los Bluesbreakers en julio de 1966, siendo sustituido por Peter Green, para formar la banda Cream, uno de los primeros supergrupos y power trios de la historia. Contaba con Jack Bruce, ex-miembro de Manfred Mann, John Mayall & the Bluesbreakers y Graham Bond Organization como bajista; y Ginger Baker, también ex-miembro de Graham Bond Organization como baterista. Antes de la creación de Cream, Clapton era prácticamente desconocido en los Estados Unidos, ya que abandonó The Yardbirds antes de que el sencillo «For Your Love» entrara en el Top Ten US, y aún no había tocado allí. En su época en Cream, Clapton empezó a evolucionar como cantante, compositor y guitarrista, aunque Jack Bruce era la voz predominante y el compositor de la gran mayoría de los temas junto con el letrista Pete Brown.Su primer concierto fue en el Twisted Wheel de Mánchester en julio de 1966, antes de hacer su debut oficial con dos noches en el National Jazz and Blues Festival en Windsor. Parte de su fama legendaria se debe a sus jam sessions y solos de guitarras y batería en sus conciertos.
A principios de 1967, la hegemonía de Clapton como mejor guitarrista de Gran Bretaña entró en rivalidad con Jimi Hendrix, que estaba innovando en la manera de tocar la guitarra existente hasta entonces. Hendrix asistió al concierto de Cream en la Universidad de Westminster de Londres del 1 de octubre de 1966. Cuando Hendrix comenzó a tocar en la escena local, muchos de los grandes artistas de Inglaterra asistían con gran expectación a sus conciertos, entre ellos Clapton, Pete Townshend, The Rolling Stones y The Beatles.
Clapton visitó por primera vez Estados Unidos con Cream. Fueron a Nueva York en marzo de 1967 para tocar nueve noches en el teatro RKO. Después, en mayo de ese mismo año, regresarían a Nueva York para grabar su álbum Disraeli Gears. El repertorio de la banda evolucionó de canciones comerciales como «I Feel Free» a largas jams instrumentales deblues como «Spoonfull». Estos temas mostraban la guitarra punzante de Clapton, mezclada con la potente voz y vibrante bajo de Jack Bruce. A su vez, la potente y polirrítmica batería con influencias de jazz de Ginger Baker aseguraba a Cream como un power trio.
En 28 meses, Cream se había convertido en un éxito comercial, vendiendo millones de álbumes y tocando por toda Europay Estados Unidos. Ellos redefinieron el papel instrumental dentro del rock, siendo una de las primeras bandas en enfatizar el virtuosismo musical y las improvisaciones de corte jazzístico. Sus sencillos de éxito en los Estados Unidos incluyen «Sunshine of Your Love» (#5, 1968), «White Room» (#6, 1968) y «Crossroads» (#28 en 1969, versión en directo de la canción de Robert Johnson «Cross Road Blues»). Aunque Cream fue una de las grandes bandas de su época, y la adulación para con Clapton era constante, el supergrupo estaba destinado a tener una vida corta. Las legendarias diferencias entre Bruce y Baker y la creciente tensión entre los tres miembros de la banda finalmente acabarían con el grupo.
El álbum de despedida de Cream, Goodbye, incluía actuaciones en directo en The Forum de Los Ángeles, grabadas el 19 de octubre de 1968, y fue comercializado poco después de que Cream se separara. El álbum contaba también con el sencillo «Badge», co-escrito por George Harrison, a quien Clapton conoció en un concierto en el que The Yardbirdscompartieron cartel con The Beatles en el London Palladium. Esta amistad se tradujo en la colaboración de Clapton en el tema «While My Guitar Gently Weeps» del White Album de The Beatles. Ese mismo año salió el debut en solitario de Harrison Wonderwall Music, que sería el primero de un largo número de álbumes de Harrison en contar con Clapton en la guitarra, aunque por motivos legales no apareciera en los créditos. Además, tocaban frecuentemente juntos como invitados el uno del otro. El 29 de noviembre de 2002, un año después de la muerte de Harrison, Clapton ayudó a organizar el tributo "Concert for George" como director musical.
Desde su ruptura en 1968, Cream se ha reunido en varias ocasiones. Una fue en 1993, en una ceremonia para ingresar en el Salón de la Fama del Rock, y otra en 2005, en una reunión para tocar cuatro noches en el Royal Albert Hall de Londres y tres noches en el Madison Square Garden de Nueva York. La grabación de sus conciertos en el Royal Albert Hall salió a la venta a finales de 2005 bajo el título Royal Albert Hall London May 2-3-5-6 2005.
6. Miembros de Cream durante la etapa de Eric Clapton
Eric Clapton - guitarra, voces
Jack Bruce - bajo, voces
Ginger Baker - batería

7. Blind Faith


Después de la ruptura de Cream, Clapton vuelve a formar un supergrupo, Blind Faith (1969), compuesto por Ginger Baker, Steve Winwood (proveniente de Traffic, disuelto en enero de 1969) y Ric Grech (de la banda Family), cuya corta vida dejó un álbum y una gira de promoción del mismo. El supergrupo debutó ante 100 000 espectadores en el Hyde Park de Londres el 7 de junio de 1969, del cual Eric Clapton, conocido por su perfeccionismo, salió bastante defraudado por la calidad ofrecida. Después hicieron varios conciertos por Escandinavia y comenzaron una gira americana en julio. El álbum Blind Faith fue grabado en los estudios de grabación Olympic bajo la producción de Jimmy Miller, con tantas prisas que la cara B sólo consta de dos temas, siendo una de ellas una jam de 15 minutos llamada «Do What You Like». Llegó al número 1 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. La cubierta del álbum, que incluía una foto de una chica pre-adolescente semid,esnuda creó polémica en Estados Unidos y fue sustituida por una fotografía de la banda. La banda se disolvió después de apenas siete meses de actividad.

8. Miembros de Blind Faith durante la etapa de Eric Clapton
Eric Clapton - guitarra, voces
Steve Winwood - teclados, guitarra, bajo, voces
Ginger Baker - batería
Rick Grech - bajo, violín eléctrico

    9. Delaney & Bonnie and Friends

    Artículo principal: Delaney & Bonnie
    Clapton decidió apartarse del mainstream girando con el grupo americano Delaney & Bonnie and Friends, que habían hecho de teloneros de Blind Faith en su gira americana de 1969. Formado por Delaney y Bonnie Bramlett (marido y mujer), el dúo llegó a contar con colaboraciones de la talla de George Harrison y Duane Allman, además de Clapton. Delaney & Bonnie and Friends hizo una gira europea con The Plastic Ono Band, con quienes Clapton tocó en un par de conciertos de la gira. Clapton aparece en el álbum On Tour with Eric Clapton, siendo éste el álbum más vendido del grupo, llegando al Top 30 de las listas americanas.
    10. Miembros de Delaney & Bonnie and Friends durante la etapa de Eric Clapton
    Eric Clapton - guitarra, voces
    Delaney Bramlett - guitarra, voces
    Bonnie Bramlett - voces
    Dave Mason - guitarra
    Jim Gordon - batería
    Carl Radle - bajo
    Bobby Whitlock - órgano, voces
    Jim Price - trompeta
    Bobby Keys - saxofón
    Rita Coolidge - voces
    Tex Johnson - percusión
    George Harrison - guitarra (sólo en directo)

    11. Primer álbum en solitario

    Usando a los músicos de The Bramletts y a una serie de músicos de prestigio (incluyendo a Leon Russell y Stephen Stills), Clapton grabó su primer álbum en solitario, el homónimo Eric Clapton (1970). El álbum incluía dos temas compuestos por The Bramletts («Bottle Of Red Wine» y «Let It Rain»), además de una versión de la canción de J.J. Cale «After Midnight», alcanzando este último el 18 en las listas americanas. Además, en ese año Clapton participó en el álbum All Things Must Pass (primavera de 1970) de George Harrison. También grabó con otros artistas como Dr. John, Leon Russell, Plastic Ono Band, Billy Preston y Ringo Starr.

    12. Derek and the Dominos

    Artículo principal: Derek and the Dominos
    Después de su primer álbum en solitario, Clapton reúne a los músicos de Delanney & Bonnie Bobby Whitlock (teclados y voces), Carl Radle (bajo) y Jim Gordon (batería) para formar un nuevo grupo, posiblemente para demostrarse que podía tener un grupo y dejar un poco de lado su fama de estrella.La banda iba a llamarse en un principio "Eric Clapton and Friends", decidiéndose después por "The Dynamics". El hecho de acabar llamándose Derek and the Dominos parece ser que es debido a que a la hora de presentarles en su primer concierto el locutor, en vez de Derek and the Dynamics, dijo "Derek and the Dominos", quedándose después así.Sin embargo, en la biografía de Clapton se dice que Ashton quería que se llamase "Del and the Dominoes" (siendo "Del" el mote que le habían asignado a Clapton), y que al final lo que hicieron fue unir Del y Eric, quedando Derek and the Dominos como resultado.
    La amistad de Clapton con Harrison le hizo conocer a Pattie Boyd, esposa de Harrison, de la cual quedó prendado. Cuando ella rechazó sus avances, los sentimientos de Clapton se plasmaron en las canciones del álbum Layla and Other Assorted Love Songs (1970). El álbum contiene el gran éxito «Layla», inspirado por el poema La historia de Layla y Majnun del poeta de Persia Nezami. La historia que contaba el poema conmovió profundamente a Clapton, ya que hablaba de un joven que se enamoraba perdidamente de una hermosa mujer, inaccesible porque ya estaba casada.
    La banda grabó su único álbum en los estudios de grabación Criteria de Miami con Atlantic Records, bajo la producción deTom Dowd, con el que ya había trabajado Clapton en el álbum de Cream Disraeli Gears. Las dos partes de «Layla» se grabaron en sesiones distintas: primero se grabó el comienzo de guitarra y, para la segunda parte, grabada varios meses después, el batería Jim Gordon tocó la parte de piano. En el álbum también colaboró Duane Allman de The Allman Brothers Band, convirtiendo al grupo en un quinteto. Duane primero añadió su guitarra slide a los temas «Tell the Truth» y «Nobody Knows You When You're Down and Out». En cuatro días el quinteto grabó «Key to the Highway», «Have You Ever Loved a Woman» y «Why Does Love Got to be So Sad». En septiembre, Duane dejó las sesiones para hacer unos conciertos con su banda, y los cuatro restantes grabaron «I am Yours», «Anyday» y «It's Too Late». Después grabaron la versión de la canción de Jimi Hendrix (que murió durante la grabación de este álbum) «Little Wing» y «Thorn Tree in the Garden».
    El álbum tenía muchas influencias del blues, y la contribución de Allman enriquecía mucho el sonido de la banda. Muchos críticos dirían después que Clapton tocaba mejor cuando le acompañaba otro guitarrista. En este álbum aparecen algunas de las mejores composiciones de Clapton y algunas de sus mejores piezas de guitarra.
    La banda comenzó una gira por los Estados Unidos sin Allman, que había regresado a The Allman Brothers Band. Aunque Clapton más adelante admitiría que la gira estuvo llena de drogas y alcohol, el álbum In Concert que se grabó en la gira, sonaba sorprendentemente potente.Además, la banda grabó varios temas para su segundo álbum de estudio (que nunca llegaría a editarse) durante la primavera de 1971. Cinco de estos temas aparecen en la caja recopilatoria de Eric Clapton Crossroads de 1988.
    No estando Tom Dowd y Duane Allman para limar asperezas, Derek and the Dominos pronto se separarían en Londres. El final de Derek and the Dominos, viéndolo con el paso de los años, constituye una parte trágica de la historia del rock. Allman murió en un accidente de moto el 29 de octubre de 1971, y aunque Radle permaneció con Clapton hasta el verano de 1979 (murió en mayo de 1980 bajo los efectos de las drogas y el alcohol), la ruptura entre Clapton y Whitlock fue amarga, y hasta 2003 no volvieron a trabajar juntos. Además, el baterista Jim Gordon, que era un esquizofrénico sin diagnosticar, mataría años más tarde a su madre durante un episodio de brote psicótico. Gordon fue encarcelado y posteriormente llevado a una institución mental, donde permanece hoy en día.
    13. Miembros de Derek and the Dominos durante la etapa de Eric Clapton
    Eric Clapton - guitarra, voces
    Jim Gordon - batería
    Carl Radle - bajo
    Bobby Whitlock - teclados, voces

    • Carrera en solitario

    1. Años 70
    Los primeros años de la década de los 70 fueron desastrosos para la vida personal de Clapton, que estaba dominada por sus adicciones. Dejó de hacer giras y se recluyó en su residencia de Surrey, en el Reino Unido. Allí se dedicó a su adicción a la heroína, dejando de lado su carrera, sólo interrumpida por su aparición en el "Concierto por Bangladesh" en agosto de1971, donde se desmayó en el escenario, fue reanimado, y continuó tocando. En enero de 1973, el guitarrista de The Who, Pete Townshend, organizó un concierto en el "Rainbow Theatre" para ayudarle a volver a la escena musical. Este concierto contó también con la colaboración de Ron Wood y Steve Winwood. Se grabó y después se editaría bajo el nombre de Eric Clapton's Rainbow Concert. Gracias a la ayuda de Townshend y una terapia de acupuntura Clapton dejó el consumo de heroína en 1973. Clapton, le devolvería en 1975 el favor apareciendo en la ópera rock de The Who, "Tommy", interpretando el tema "Eyesight To The Blind".
    En 1974, ya junto a Pattie Boyd (aunque no se casaría con ella hasta 1979), y rehabilitado de su adicción a la heroína y cocaína, aunque todavía siendoalcohólico, Clapton formó una banda para su proyecto en solitario con el bajista Carl Radle, el guitarrista George Terry, el teclista Dick Sims, el baterista Jamie Oldaker y Marcy Levy (mejor conocida como Marcella Detroit del dúo popShakespears Sister). Con estos músicos, Clapton grabó 461 Ocean Boulevard(1974), bajo la producción nuevamente de Tom Dowd. Era un álbum con canciones más simples y con menos solos de guitarra; siendo la versión de la canción de Bob Marley "I Shot the Sheriff" su primer sencillo en llegar al #1 enEstados Unidos.
    El álbum de 1975 There's One in Every Crowd fue una decepcionante continuación de su anterior álbum, ya que ni siquiera entró en el "Top Ten". La banda hizo una gira mundial de cuyas grabaciones se extrajo el álbum en directo, E.C. Was Here. A continuación vendría el álbum de 1976 No Reason to Cry, con las colaboraciones de Bob Dylan y The Band.
    En agosto de este mismo año Clapton, provocó uno de los momentos más criticados de su vida, cuando, durante un concierto en Birmingham, habló sobre la creciente inmigración que sufría Inglaterra. Visiblemente intoxicado, dio su apoyo al diputado conservador Enoch Powell y dijo que el Reino Unido estaba en peligro por el incipiente crecimiento de la comunidad negra. Este incidente, junto con otro similar provocado por David Bowie, fueron los causantes de la creación de una asociación llamada "Rock Against Racism". Clapton, de hecho, nunca se ha retractado de estos comentarios, aunque sí ha reiterado en varias ocasiones que no es racista.
    En noviembre de 1977 vendría Slowhand, muy bien recibida por la crítica, donde figura la canción "Wonderful Tonight", otra canción dedicada a Pattie Boyd, y la canción "Cocaine", una versión de un tema de J.J. Cale.
    En 1978 vino Backless, que no recibió las mismas críticas positivas que Slowhand. Contaba con dos temas de Bob Dylan y volvía a aparecer una versión de J.J. Cale. El único sencillo que entró en el "Top Ten" británico fue "Promises". Este sería el último álbum que grabaría con la banda que le había acompañado desde 1974.
    2.  Años 80
    En 1980, se edita el doble álbum en directo Just one night, grabado en el Teatro Budokan, en Tokio, donde lo más destacable es su nueva banda, liderada por el guitarrista, Albert Lee, que le da un aire totalmente nuevo a la música de Clapton.
    En 1981, Clapton es invitado a colaborar en el concierto en beneficio de Amnistía Internacional. En esta ocasión se hizo acompañar de Jeff Beck dejando para la historia unos memorables duetos. Tres de éstos aparecieron en el álbum que se editó del evento. En esta época saca el álbum titulado Another Ticket, un álbum con polémica desde el principio, ya quePolydor no aceptó la primera entrega del álbum producido por Glyn Johns, teniéndose que volver a grabar íntegramente con el productor Tom Dowd. Además, en uno de los primeros conciertos de la gira, Clapton cayó inconsciente, quedando cerca de la muerte por su acusado alcoholismo. En esta época Clapton comienza a apoyarse cada vez más en la religión.
    En 1983 se lanza al mercado Money and cigarettes, con la compañía discográfica Reprise Records, con la memorable portada que muestra a Clapton fumando cerca de una stratocaster derritiéndose. Eric Clapton llamó así al álbum "porque, pensé que llegaría el momento en que serían las únicas dos cosas que me quedarían." Para este álbum Clapton se deshace de toda su banda, a excepción de Albert Lee, además de contar con la colaboración de Ry Cooder.
    En 1984, aparte de editarse un recopilatorio llamado Backtrackin', colaboró en el álbum del miembro de Pink Floyd Roger Waters y después le acompañó en su gira. A partir de aquí se han reunido en numerosas ocasiones. Después de la gira, se puso a grabar Behind the Sun, que supuso su primera colaboración con Phil Collins, que además de tocar la batería, se encargó de la producción. Este año sería especialmente significativo en la vida personal de Eric Clapton, ya que, aunque seguía casado con Pattie Boyd, empezó una relación con Yvonne Kelly. Fruto de esta relación, en enero de 1985 nació su hija Ruth. Ni Clapton, ni Kelly dieron a conocer el nacimiento de su hija, que no fue revelado al público hasta 1991. Así pues, Boyd no supo de la existencia de la niña hasta 1991, cosa que la indignó sobremanera llegando a decir:
    "Lo que más me dolió fue que Eric supo de su existencia todo este tiempo. Mientras me declaraba amor incondicional, llevaba seis años pagándole manutención a Yvonne."
    En 1986 se lanzó el álbum August, el título refiriéndose al mes de nacimiento de su primer hijo reconocido, Conor. Este álbum, también producido por Phil Collins, obtuvo las mejores ventas desde "Another Ticket". Cabe destacar la colaboración en varios de los temas de Tina Turner. En 1988 se editó Croossroads, una caja recopilatoria de cuatro discos, que hacía un repaso a toda su discografía desde su época de The Yardbirds.
    En 1989, Clapton lanzó al mercado Journeyman, un álbum de muy diversos estilos, tocando el jazz, el blues, el pop y elsoul. En este álbum colaboraron George Harrison, Phil Collins, Daryl Hall, Chaka Khan, Mick Jones de Foreigner, David Sanborn y Robert Cray. Aunque la crítica recibió el álbum sin grandes elogios, Clapton sostiene que es uno de sus favoritos. Este año Clapton se divorció de Pattie Boyd, que alegaba infidelidades."
    3. Años 90
    Los primeros años de la década de los 90 fueron especialmente trágicos para Eric Clapton. El 27 de agosto, su compañeroStevie Ray Vaughan, con el que estaba de gira, y dos de sus técnicos de gira murieron en un accidente de helicópterodurante el traslado entre conciertos. Después, el 20 de marzo de 1991, su hijo Conor, que contaba con cuatro años de edad, murió al caer de un piso 53 de un rascacielos de Nueva York en el que se encontraba con su madre, la modelo Italiana Lory Del Santo. Su aflicción quedó plasmada en la canción "Tears in Heaven", coescrita con Will Jennings. La canción aparece primero en la banda sonora de la película "Rush" y después en su álbum de 1992 Unplugged, en una versión acústica, por el cual recibió seis premios Grammy, entre ellos el de álbum del año y mejor canción de rock del año.
    En septiembre de 1994, se edita From The Cradle, que es el primer álbum de bluesíntegro grabado por Clapton, en el que se recoge una colección de temas clásicos. Ganó el Grammy al Mejor Álbum de Blues Tradicional en 1995 y vendió más de 3 millones de copias en Estados Unidos, siendo el disco de blues que más ha vendido de la historia. En 1995 sale otro recopilatorio más, llamado "The Cream of Clapton".
    En abril de 1996, se publica una nueva caja recopilatoria con el título Crossroads 2: Live In The Seventies, que consiste en actuaciones en directo grabadas entre los años 1974 y 1978, así como 4 temas de estudio inéditos. Clapton también obtuvo un gran éxito ese año con la canción compuesta por Wayne Kirkpatrick, Gordon Kennedy y Tommy Sims, "Change The World", con el que ganó un Grammy a la mejor canción del año en 1997, el mismo año en que grabó Retail Therapy, un álbum de música electrónica con Simon Climie. También participó en un concierto homenaje a Stevie Ray Vaughan y en el concierto "Princes Trust" en Hyde Park,Londres.
    En marzo de 1998, Clapton publicó el álbum Pilgrim con material totalmente nuevo, cosa que no ocurría en más de una década. En esta ocasión también cuenta con la colaboración de Simon Climie, y recibió críticas dispares. En 1999 se edita un doble álbum con material de los años 70 llamado Blues, y otro llamado Clapton Chronicles: The Best of Eric Clapton con material más reciente. Clapton acabó la década de los noventa con un álbum con B. B. King llamado Riding with the King que ganó un premio Grammy al mejor álbum de blues tradicional en 2001. Durante la grabación de este álbum conoció a su actual esposa Melia McEnery con la que se casó en 2002 y con la que tiene tres hijas: Julie Rose (13 de juniode 2001), Ella May (14 de enero de 2003), y Sophie Belle (1 de febrero de 2005).
    4. 2000-presente
    En 2001, se edita Reptile que tuvo una relativamente buena acogida de la crítica. En 2002, Eric tocó en Party at the Palace, concierto con el que se celebraron los 50 años de reinado de la Reina Isabel II del Reino Unido, junto con otros artistas comoPaul McCartney, Bryan Adams, Keith Airley, Atomic Kitten, Shirley Bassey, Tony Bennett, Blue, Emma Bunton, The Corrs, Joe Cocker, Phil Collins, Ray Cooper, Ray Davies, Dame Edna Everage, Tony Iommi, J'anna Jacoby, Elton John, Tom Jones,Ladysmith Black Mambazo, Annie Lennox, Ricky Martin, Ozzy Osbourne,Mark Andrew-Brydon, Brian Mayy Roger Taylor de Queen, Mis-teeq, Cliff Richard, S Club 7, Rod Stewart, Will Young, Brian Wilson, Steve Winwood, Tony Vincent o Hannah Jane Fox. En noviembre de ese mismo año organizó un concierto homenaje a George Harrison, quien había muerto el año anterior de cáncer. Junto a él tocaronPaul McCartney, Ringo Starr, Jeff Lynne, Tom Petty, Ravi Shankar, entre otros.
    En marzo de 2004 publica un álbum de tributo al bluesman Robert Johnson, Me And Mr. Johnson, que incluye 14 versiones de los 29 temas que grabó el maestro delblues del Mississippi durante su breve carrera en los años 30. Y ese mismo año otro disco similar llamado Sessions For Robert J que además incluía un documental.
    En mayo de 2005, se produce la reunión de Cream para una serie de conciertos en el Royal Albert Hall de Londres. Las grabaciones resultantes se lanzaron en CD y DVD. Después hicieron un concierto en elMadison Square Garden de Nueva York. El 30 de agosto sale al mercado Back Home, con material totalmente nuevo. Para la gira de este álbum contaría con la ayuda de Derek Trucks y Doyle Bramhall II, siendo Trucks el tercer componente de The Allman Brothers en tocar en la banda de Clapton, mientras que el segundo fue Chuck Leavell, que anteriormente había colaborado en Unplugged y en 24 Nights.
    El 20 de mayo de 2006 Clapton hizo una actuación con Roger Taylor (Queen) y Roger Waters (Pink Floyd) en el Castillo Highclere. También hizo una aparición en un concierto de Bob Dylan en Columbus, Ohio. El 7 de noviembre de 2006 se edita un álbum llamado The Road to Escondido conjuntamente con J.J. Cale.
    En 2009 salió a la venta un set de dos CD y dos DVD de tres conciertos con Steve Winwood en el Madison Square Garden. Durante 2009 y 2010 realizó giras con Jeff Beck, Roger Daltrey y nuevamente con Steve Winwood.
    Después de 5 años, el 27 de septiembre de 2010, Eric Clapton publicó Clapton, un nuevo álbum de estudio con canciones inéditas.
    El 8 de abril de 2011 dio un concierto en el Rose Hall de Nueva York junto al trompetista Wynton Marsalis y miembros de la Lincoln Center Jazz Orchestra.
    El 14 de octubre de 2011 dio un concierto en Buenos Aires en el estadio de River Plate.
    5. Miembros en algún momento de su carrera en solitario
    Duane Allman - guitarra, guitarra slide
    Albert Lee - guitarra, voces, coros.
    Mark Knopfler - guitarra.
    Andy Fairweather-Low - guitarra, coros.
    Phil Palmer - guitarra.
    Ry Cooder - guitarra.
    George Terry - guitarra, coros.
    Alan Darby - guitarra.
    Tim Renwick - guitarra.
    Roger Waters - voces, guitarra, bajo.
    Michael Kamen - teclado.coros.
    Alan Clark - piano, teclado.
    Gary Brooker - teclado, coros.
    Chuck Leavell - piano, teclado, órgano hammond.
    Greg Phillinganes - teclado, órgano hammond, coros.
    Billy Preston - órgano hammond.
    David Sancious - teclado, guitarra, armónica, coros.
    Chris Stainton - piano, teclado.
    Mel Collins - saxofón.
    Dave Bronze - bajo.
    Dave Merkee - bajo.
    Nathan East - bajo, voces, coros.
    Pino Palladino - bajo.
    Carl Radle - bajo, guitarra.
    Paulinho Da Costa - percusión.
    Phil Collins - batería, voces.
    Ray Cooper - percusión.
    Jim Gordon - batería, piano.
    Jeff Porcaro - batería.
    Steve Ferrone - batería.
    Henry Spinetti - batería.
    Steve Gadd - batería.
    Ricky Lawson - batería.
    Andy Newmark - batería.
    Jamie Oldaker - batería.
    Yvonne Elliman - voces, coros, guitarra.
    Katie Kissoon -coros.
    Marcy Levy - voces, coros, armónica.
    Tessa Niles -coros.
    Joe Sample - piano, Wurlitzer.
    Dorren Chanter - voces.
    Peter Robinson - sintetizadores.
    Dick Sims - teclado.
    Donald Dunn - bajo.

    • Influencias
    Clapton ha tocado temas de artistas muy variados, pero sobre todo de Robert Johnson y J.J. Cale. Otros artistas a los que ha homenajeado son George Harrison, Bob Marley, Bo Diddley y Bob Dylan. Él cita como sus mayores influencias a Freddie King, B. B. King, Albert King, Buddy Guy, Hubert Sumlin y Robert Johnson. Clapton dijo de Johnson:
    "... el músico de blues más importante que jamás existió. Él era verdadero, absolutamente, nunca he encontrado nada más lleno de sentimiento que Robert Johnson. Su música es el llanto más potente que puedes encontrar en una voz humana, de veras... parecía resonar con algo que yo siempre sentí."

    • Estilo
    El woman tone es el término utilizado para referirse al distintivo sonido de guitarra eléctrico usado por Clapton a finales de los años 1960 con su Gibson SG y su amplificador Marshall de válvulas. Se ve claramente ejemplificado en la canción deCream, "Sunshine of Your Love". Se trata de un sonido distorsionado, que se obtiene subiendo el volumen y tonos del amplificador al máximo, y la rueda del tono de la guitarra al mínimo. También, parte del sonido, es debido al característico estilo de tocar de Clapton.

    • Equipamiento
    1. Guitarras
    La elección de guitarras de Eric Clapton ha sido diversa, y junto con Hank Marvin, The Beatles y Jimi Hendrix, ha sido una gran influencia a la hora de popularizar algunos modelos de guitarra eléctrica en particular.Con The Yardbirds, Clapton tocó una Fender Telecaster, una Fender Jazzmaster y una Gibson ES-335 color cereza de 1964. Se convirtió a mediados de 1965 en usuario exclusivo de guitarras Gibson, después de comprar en una tienda de Londres una Gibson Les Paul Sunburst estándar. Clapton comentó sobre su estrecho mástil, lo que indicaría que se trataba de una Gibson Les Paul Standard de 1960.
    Durante los comienzos con Cream, la Gibson Les Paul Standard de 1960 fue robada. Continuó tocando con una guitarra casi idéntica que le compró a Andy Summers,hasta la compra de su guitarra más famosa de esta época, una Gibson SG de 1964.En 1968, Eric Clapton compró una Gibson Firebird y volvió a utilizar de nuevo la Gibson ES-335 color cereza de 1964. La historia de esta Gibson ES-335 abarca un largo período de la carrera de Clapton, siendo utilizada en su último concierto con Cream en noviembre de 1968, apareciendo en la canción «Hard Times» del álbum de 1989 Journeyman, y también en el álbum y posterior gira de From the Cradle. Fue vendida en una subasta de 2004 por 847 500 dólares estadounidenses.Gibson sacó una edición limitada de 250 piezas de una réplica de esta Gibson llamada Crossroads 335.
    Durante la grabación de The Beatles del tema «While My Guitar Gently Weeps» usó una Gibson roja, que posteriormente le regaló a George Harrison. Esta Gibson SG llegó a manos del amigo de Harrison, Jackie Lomax, que después se la vendió al músico Todd Rundgren por 500 dólares en 1972. Rundgrend la restauró y le dio el mote de Sunny, por la canción «Sunshine of Your Love». Le acompañó hasta el 2000, año en el que la vendió en una subasta por 150 000 dólares.49 En el famoso concierto de Blind Faith de 1969 en Hyde Park tocó una Fender Custom Telecaster.
    A finales de 1969 se cambió a Fender Stratocaster.
    «Yo tenía muchas influencias cuando comencé con la Strat. En primer lugar estaban Buddy Holly y Buddy Guy. Hank Marvin fue el primer músico reconocido en usarla aquí en Inglaterra, aunque no era mi estilo. Steve Windwood tenía tanta credibilidad, que cuando comenzó a usar una, yo pensé, oh, si él puede, yo también puedo».
    La primera Statocaster fue Brownie, usada durante la grabación del álbum Eric Clapton que en 1974 se convertiría en pieza fundamental para la creación de «Blackie», la guitarra más famosa de Clapton. En 1970 compró seis Fender Stratocasters en una tienda de Nashville (Tennessee) durante su gira con Derek and the Dominos, de los cuales, posteriormente, regaló tres a George Harrison, Steve Winwood y Pete Townshend. Usó lo mejor de las tres restantes para la creación de "Blackie", que fue su guitarra favorita de directo hasta que la jubilase en 1985. La tocó por primera vez el 13 de enero de 1973 en el Rainbow Concert. El 24 de junio de 2004, Clapton vendió Blackie en una subasta de Christies, en Nueva York, por la cantidad de 959 500 dólares, que donó a la Crossroads Centre, un centro de desintoxicación creada por él mismo. Brownie ahora se encuentra expuesta en un museo musical de Seattle llamado Experience Music Project. Fender ha creado desde entonces una edición limitada de réplicas de Blackie.
    Otro momento relativo a las guitarras de Clapton fue cuando en 1971 regaló una de sus guitarras firmadas al Hard Rock Cafe de Londres, para designar su taburete favorito del local. En respuesta, Pete Townshend, regaló una de sus guitarras, con una nota que rezaba: «La mía es tan buena como la suya! Love, Pete». Desde este momento Hard Rock comenzó a crear su particular estilo de decoración en sus locales.
    En 1988 Fender creó la llamada Eric Clapton Stratocaster.Desde aquí Fender ha creado diversos modelos dedicados a artistas como: Rory Gallagher, Mark Knopfler,Jeff Beck, Stevie Ray Vaughan o Buddy Guy. Clapton también ha sido honrado con una serie de guitarras acústicas fabricadas por C. F. Martin & Co. La Martin 1939 000-42 que usó para su álbum acústico Unplugged fue vendida en subasta por 791 500 dólares. Hoy en día usa una Martin 000-ECHF.
    Todas las subastas de guitarras que ha llevado a cabo Clapton, tanto la de 1999 (donde se recaudaron más de cinco millones de dólares),como la de 2004 (donde se recaudaron 7 438 624 de dólares), fueron donadas al centro de desintoxicación creado en 1997 en Antigua que lleva su nombre.
      2. Resto de equipamiento

      En su primera época con The Roosters su guitarra Kay sonaba a través de un amplificador Selmer Futurama III.
      En su época con The Yardbirds su Stratocaster hacía uso de un amplificador Vox AC-30.
      Con The Bluesbreakers tocaba su Les Paul Standard de 1960 a través de un amplificador de 45 vatios Marshall 2x12 combo (JTM 45) de 1962, con algunos retoques. El amplificador solía estar puesto a su máximo volumen, incluso en el estudio de grabación. Cuando los ingenieros se quejaban, Eric respondía: «Así es como toco».
      En su época de Cream se pasó a cabezales Marshall de 100 vatios usando dos paredes completas de 4X12. También usaba un pedal Vox wah-wah y ocasionalmente un pedal con efectos fuzz.
      Con Blind Faith usaba Fender Dual Showman con reverb o sus amplificadores de Marshall.
      Con Derek and the Dominos, Fender Champ fue el amplificador de estudio que utilizó en la grabación de Layla and Other Assorted Love Songs. En directo, usaba Fender Dual Showmans o sus Marshall.
      En solitario:
      En 1976, usaba su Gibson ES-335 como guitarra slide con cuerdas Ernie Ball Super Slinky’s.009 -.042. Utilizaba amplificadores Music Man modificados con reverb y multiefectos de JBL. También usaba una pedalera Crybaby wah-wah.
      A mediados de los años 1980 aumentó considerablemente los efectos y pedaleras que usaba en directo. Sintetizadores Roland 700, controladores Bradshaw, pedaleras wah-wah Crybaby Reissue de Jim Dunlop, retardos de Ibanez, compresores DBX, retardos Roland SDE-3000, entre otros. En esta época cambió sus amplificadores a la serie Marshall 800 de 50 vatios.
      En 1994, para la grabación de From the Cradle, aparte de usar más de 50 guitarras de su colección, utilizó un viejo amplificador Fender Twin sin ningún tipo de efecto y un Fender Champ.
      Durante su Gira Reptile de 2001 hizo varios cambios. Comenzó utilizando unos amplificadores Fender Tweed Twins, pero a mitad de la gira cambió a Fender Vibro Kings.
      Hoy en día su equipamiento se limita básicamente a una pedalera de efectos Boss Chorus CE-3, un amplificador Leslie y un pedal wah-wah 535 Crybaby de Jim Dunlop.


      2. Recocimientos y premios
      AñoReconocimiento
      1983Se le hace entrega del Premio Silver Clef por sus contribuciones al mundo de la música.
      1994Se le hace entrega de la Orden del Imperio Británico en calidad de Oficial (OBE).
      2004Ascenso en la Orden del Imperio Británico a Comandante (CBE).
      3- Grammys

      972Álbum del año por The Concert For Bangladesh.Compartido con George Harrison, Ravi Shankar, Bob Dylan, Leon Russell,Ringo Starr, Billy Preston y Klaus Voorman.
      1990Mejor intérprete solista de rock por «Bad Love».
      1993Mejor canción de rock por «Layla».Compartido con Jim Gordon.
      Mejor intérprete solista de rock porUnplugged.
      Mejor intérprete solista de pop por «Tears in Heaven».
      Canción del año por «Tears in Heaven».
      Álbum del año por Unplugged.
      Grabación del año por «Tears in Heaven».
      1994Mejor álbum de blues tradicional porFrom the Cradle.
      1996Mejor intérprete de rock instrumental por «SRV Shuffle».Compartido con Jimmie Vaughan, Bonnie Raitt, Robert Cray, B.B. King,Buddy Guy, Dr. John y Art Neville.
      Mejor intérprete pop masculino por «Change the World».
      Grabación del año por «Change the World».
      1998Mejor intérprete masculino de pop por «My Father's Eyes».
      1999Mejor intérprete instrumental de rock por «The Calling».Compartido con Santana.
      2000Mejor álbum de blues tradicional porRiding with the King.Compartido con B.B. King.
      2001Mejor intérprete instrumental de pop porReptile.
      2007Mejor álbum de blues contemporáneo porThe Road to Escondido.Compartido con J.J. Cale.


      • Discografia
      AñoTítuloDiscográficaRIAA (U.S.A)
      1970Eric ClaptonAtco (primera edición USA), PolydorNinguno
      1974461 Ocean BoulevardRSOOro63
      1975There's One in Every CrowdRSONinguno
      1976No Reason to CryPolydorNinguno
      1977SlowhandPolydorTriple Platino
      1978BacklessPolydorPlatino
      1981Another TicketPolydorOro
      1983Money and CigarettesWarner Bros. RecordsNinguno
      1985Behind the SunWarner Bros. RecordsPlatino
      1986AugustReprise RecordsOro
      1989JourneymanReprise RecordsDoble Platino
      1994From the CradleReprise RecordsTriple Platino
      1998PilgrimReprise RecordsPlatino
      2000Riding with the King (con B. B. King)Reprise RecordsDoble Platino
      2001ReptileReprise RecordsOro
      2004Me and Mr. JohnsonWarner Bros. RecordsOro
      2004Sessions For Robert JWarner Bros. RecordsNinguno
      2005Back HomeReprise RecordsOro
      2006The Road to Escondido (con J.J. Cale)Reprise RecordsOro
      2010ClaptonReprise Records
      2013Old Sock77

      • Bandas sonora
      Clapton ha colaborado en múltiples bandas sonoras, tanto aportando canciones como componiendo canciones nuevas.Resumen:
      Mean Streets (1973) - "I Looked Away"
      The Hit (1984) - Banda sonora completa
      Back to the Future (1985) - "Heaven Is One Step Away"
      El color del dinero (1986) - "It's In The Way That You Use It"
      Lethal Weapon 2 (1988) - "Knockin' On Heaven's Door"
      Homeboy (1988) - Banda sonora completa
      Goodfellas (1990) - "Layla" y "Sunshine of Your Love"
      Rush (1991) - Banda sonora completa
      Wayne's World (1992) - "Loving your Loving"
      Los amigos de Peter (1992) - "Give Me Strength"
      Lethal Weapon (1992) Contribución en la producción y escribió junto a Sting "It's Probably Me" y "Runaway Train" junto a Elton John.
      True Lies (1994) - "Sunshine of Your Love"
      Twister (1996) - "Motherless Child"
      Phenomenon (1996) - "Change the World"
      Patch Adams (1998) - "Let It Rain"
      Lethal Weapon 4 (1998) - "Pilgrim"
      City of Angels (1998) - "Further On Up The Road"
      Novia a la fuga (1999) - Blue Eyes Blue
      The Story of Us (1999) - "(I) Get Lost"
      Dancing At The Blue Iguana (2000) - "River of Tears"
      A Knight's Tale (2001) - "Further On Up The Road"
      Escuela de rock (2003) - "Sunshine Of Your Love"
      Starsky & Hutch (2004) - "Cocaine"
      Una pandilla de pelotas (2005) - "Cocaine"
      Lord of War (2005)- "Cocaine"

      • Filmografia y biografia
      "Farewell Cream" (1968)
      "Rock And Roll Circus" (1968)
      "The Concert For Bangladesh" (1971)
      "Film About Jimi Hendrix" (1973)
      "Tommy" (la ópera rock de The Who) (1974)
      "Circasia" (1975)
      "The Last Waltz" (Martin Scorsese) (1976)
      "Eric Clapton’s Rolling Hotel" (1978)
      "Water" (1985)
      "Hail Hail Rock N Roll" (1986)
      "24 Nights" (1991)
      "Unplugged" (1992)
      "Bob Dylan The 30th anniversary concert celebratrion" (1992)
      "Live in Hyde Park" (1996)
      "Blues Brothers 2000" (1998)
      "One more car, one more rider" (2001)
      "Concert For George" (2002)
      "Crossroads Guitar Festival 2004" (2004)
      "Crossroads Guitar Festival 2007" (2007)
      "Crossroads Guitar Festival 2010" (2010)
      "Crossroads Guitar Festival 2013" (2013)
      • Documentales:
      "Can You Hear The Wind Howl" (1997)
      "Tom Dowd: The Language of Music" (2003)
      "Martin Scorsese Presents: The Blues" (Serie de TV) (2003)
      "J.J. Cale To Tulsa and Back" (2006)
      "Before The Music Dies" (2006)
      "Living in the Material Word" (2011)

      http://es.wikipedia.org/wiki/Eric_Clapton

      4. Jimmy Page
      • Biografia
      Jimmy Page
      James Patrick "Jimmy" Page, OBE (Heston, Middlesex, Inglaterra, 9 de enero de 1944) es un músico multiinstrumentista y guitarrista de rock clásicobritánico conocido por haber sido el miembro líder y fundador del grupo derock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles musicos y guitarristas de todos los tiempos, Page ha sido, a lo largo de su carrera musical, músico de sesión y guitarrista de The Yardbird-s, Led Zeppelin yThe Firm. Además, ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, The Kinks, Eric Clapton o Jeff Beck. A su vez, grabó varios álbumes con artistas como David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker. En 2005, fue galardonado como miembro de la Orden del Imperio Británico por su labor de caridad en ayuda de las personas más desfavorecidas de Brasil. Jimmy Page en el último listado de los 100 mejores guitarristas, por la revista Rolling Stone, está posicionado en el 3.erlugar.

      • Primeros años
      1.Infancia y adolescencia
      Jimmy Page es hijo único de un empleado administrativo, James Page, y de una secretaria y enfermera, Patricia Elizabeth Gaffikin. Nacido en Heston, una antigua villa devenida en suburbio del Gran Londres, ubicada en la zona occidental. Cuando Jimmy contaba con ocho años de edad, en 1952, su familia se mudó a Epsom, otro suburbio del Gran Londres, ubicado en el sur, donde recibió sus primeros contactos con la música.
      A los 12 años, Page consiguió su primera guitarra, y aunque tomó algunas clases con este instrumento, es en su mayoría un músico autodidacta. Entre sus primeras influencias destacaban Scotty Moore y James Burton, ambos guitarristas derockabilly y que habían tocado anteriormente con Elvis Presley, y Johnny Day, colaborador de The Everly Brothers. En1957, contando Page con 13 años, apareció por primera vez en televisión en un programa de jóvenes talentos, Huw Wheldon Show, tocando el tema "Mama Don't Wanna Play No Skiffle No More" y "cotton fields". La afición de Page por la guitarra era tan grande que solía llevar su instrumento al colegio, siendo confiscado la mayoría de las veces. Aunque Page estaba interesado por las ciencias, llegando a recibir una oferta de trabajo como asistente de laboratorio, decidió dejar sus estudios para comenzar una carrera musical, y después de varios intentos, Page consiguió entrar a formar parte de una banda de rock, The Crusaders, que contaba con el vocalista Neil Christian. Su estancia en esta banda se extendió durante más de dos años, durante los cuales Page contrajo una mononucleosis que no le impidió seguir dando conciertos, aunque decidió dejar aparcada momentáneamente su carrera musical para sumergirse en su otra pasión, la pintura, por lo que se matriculó en el colegio de arte de Sutton, en Surrey.

      2- Músico de sesión
      Mientras era aún un estudiante, Page improvisaba a menudo en el Marquee Club de Londres con guitarristas como Jeff Beck (a quien conocía desde los once años), Eric Clapton, Cyril Davies o Alexis Korner. En una de estas sesiones, John Gibb, miembro del grupo The Silhouettes, le pidió su ayuda para grabar una serie de sencillos para el sello discográfico EMI,pero no fue hasta que recibió una oferta de Mike Leander cuando pudo trabajar enteramente en estudios de grabación. Su primera 
      misión como músico de sesión fue grabar junto con Jet Harris y Tony Meehan el single "Diamonds", que alcanzó el número uno en las listas británicas en 1963.
      Después de diversos y breves trabajos con algunos de los músicos del naciente panorama del rock en Gran Bretaña, Page alcanzó una moderada fama como músico de sesión. 
      Durante esta etapa, Page fue conocido como "Little Jimmy" para no ser confundido con Big Jim Sullivan, apodado simplemente "Big Jim". Como guitarrista preferido del productor Shel Talmy, Page acabó trabajando con grupos como The Who o The Kinks gracias a los encargos que Talmy recibía.
      Entre los grupos y artistas con los que trabajó Page como músico de sesión se encuentran The Rolling Stones, Van Morrison, Marianne Faithfull, Dave Berry o Brenda Lee, además de The Who y The Kinks, con los que trabajó gracias al apoyo de Talmy. Se rumorea que Page participó en un alto porcentaje del total de grabaciones realizadas entre los años1963 y 1965, cerca del 60%,, aunque hay fuentes que indican que este porcentaje oscila entre el 50% y el 90%.
      En 1965, Page entró como productor en el sello Immediate Records gracias al mánager de los Rolling Stones, Andrew Loog Oldham. Gracias a este nuevo cargo, Page tocó y produjo canciones de John Mayall, Nico, Chris Farlowe, Twice as Much yEric Clapton, y entró en una breve relación sentimental con la compositora y cantante Jackie DeShannon. Además, trabajó como músico de sesión en el 
      álbum Love Chronicles, de Al Stewart en 1969, y en el disco debut de Joe Cocker, With a Little Help from My Friends.
      Aunque Page grabó temas con multitud de músicos, muchas de estas sólo pueden encontrarse por medio de bootlegs, editadas junto con varias canciones inéditas de Led Zeppelin.

      •  Led Zeppelin
      1- Influencia
      La experiencia de Page como músico de sesión y como miembro de The Yardbirds se hizo notar desde el primer momento. En las labores de compositor, productor y guitarrista, Page ayudó a que Led Zeppelin
      convirtiese en una de las más influyentes bandas de los años '70, y de la historia de la música rock, además de influir por sí sólo en numerosos guitarristas posteriores. El riff rápido y orientado hacia el heavy metal de "Communication Breakdown", una canción que aparece en el trabajo debut de Led Zeppelin, homónimo, está considerada por Johnny Ramone, guitarrista de la extinta y primeriza banda de punk The Ramones, como inspiradora del sonido acelerado y potente de la música de su banda. Por su parte, el solo de guitarra de "Heartbreaker", tocado con las dos manos en el mástil de la guitarra, influyó definitivamente en Eddie Van Halen para popularizar esta técnica guitarrera en los años '80. Además, el solo de guitarra de "Stairway to Heaven", compuesto y tocado por Page, está considerado por los lectores de varias revistas musicales como el mejor solo de la historia, mientras que el propio Page fue nombrado guitarrista del año cinco veces seguidas por la revista Creem durante la década de los '70. Por último, Page fue uno de los primeros guitarristas de la historia en utilizar una guitarra de doble mástil, de marca Gibson inspirada en el modelo SG de la marca.
      2- Efectos
      Para la composición y grabación de la mayoría de las canciones de Led Zeppelin, Page usó varias guitarras Gibson Les Paul con amplificadores Marshall. Page también empleó guitarras Fender Telecaster durante la grabación de Led Zeppelin I y para grabar el famoso solo de "Stairway to Heaven". En cuanto a sus amplificadores, sus marcas más utilizadas, aparte de Marshall, fueron Vox, Orange y Fender. Además de la guitarra eléctrica, Page también utilizó "lap steel guitar"guitarras slide, guitarras con pedales de acero (un tipo de guitarra eléctrica que se toca con un artilugio de acero en vez de con los dedos y se posiciona de manera horizontal), guitarras acústicas y pedales de efectos (Chorus, Wah-wah, Flanger, etc).
      Por su parte, Page es también famoso por ser uno de los primeros en utilizar un arco de violoncello para tocar la guitarra en las canciones "Dazed and Confused", "How Many More Times", y en la introducción de "In the Evening". Esta técnica la aprendió durante su etapa como músico de sesión, aunque no fue el primer guitarrista en utilizar un arco de cello, ya queEddie Phillips, del grupo The Creation realizó esta experiencia antes que Page. En una entrevista a la MTV, Page afirmó que extrajo esta técnica al ver a su compañero David McCallum Sr. (padre del actor David McCallum), también músico de sesión, hacer lo mismo con su guitarra y un arco de cello.
      En algunas canciones de la banda, Page solía utilizar un theremin, además del pedal Wah-wah para realizar algunos efectos con su guitarra.
      3- Tecnicas de producción musical
      Page está acreditado como uno de los artífices de hacer llegar al estudio nuevas técnicas de grabación, que desarrolló durante su etapa en Led Zeppelin. A comienzos de la década de los '60, los productores musicales británicos solían emplazar los micrófonos justo delante de la batería y de los amplificadores, lo que originaba un sonido ligeramente defectuoso apreciable en muchas grabaciones de aquella década. Page comentó en una entrevista a la revista Guitar World que los sonidos de la batería en aquella época sonaban como cajas de cartón. En cambio, Page apoyaba las técnicas de grabación de la década de los '50, especialmente las desarrolladas en el estudio Sun. En la misma entrevista aGuitar World, Page dijo que el proceso de grabación solía ser una ciencia, y que los ingenieros tenían un lema: distancia igual a profundidad. Llevando este lema al límite, a Page se le ocurrió la idea de colocar un micrófono adicional a una determinada distancia del amplificador y grabar después en equilibrio con los dos. Al adoptar esta técnica, Page se convirtió en uno de los primeros productores británicos en grabar el sonido de ambiente de una banda.
      Para la grabación de varias canciones de Led Zeppelin, como "Whole Lotta Love" o "You Shook Me", Page empleó la técnica de la reverberación, que se cree fue empleada por primera vez por Page durante su paso por The Yardbirds, más concretamente en la grabación del tema "Ten Little Indians". Consiste en escuchar el eco antes del sonido original, en lugar de escucharla después, obtenido colocando la pista grabada del eco antes de la pista del sonido original durante el proceso de grabación y mezclado de la canción. Para este efecto también colocaba micrófonos al fondo de la sala de grabación para que el sonido llegara más débil, creando así nuevas atmósferas musicales.Además, en la grabación de "When the Leeve Breaks" colocó la batería de Bonham en el hueco de una escalera, y en "Since I've Been Loving You" se puede incluso escuchar el chirrido del pedal del bombo de la batería por lo cerca que estaba el micrófono de ella.
      • Después de Led Zeppelin
      Led Zeppelin se separó en 1980 después de la muerte del baterista John Bonham por ahogamiento en su propio vómito después de una borrachera en una de las casas de Page. Aunque Jimmy intentó formar un grupo llamado XYZ contando con ex-miembros de Yes, su regreso a los escenarios aconteció en 1983, cuando dio una serie de conciertos para combatir la esclerosis múltiple, en honor del bajista de Small Faces, Ronnie Lane, a quien le habían diagnosticado la enfermedad poco tiempo antes.

      Un vídeo del concierto en Londres de 1983 fue publicado en 1984 con dos canciones compuestas por Page que habían aparecido en la banda sonora de la película Death Wish II con Steve Winwood en la posición de cantante. Además, el vídeo muestra una improvisación en escena del tema "Layla" junto con Jeff Beck yEric Clapton, conformando ellos tres el trío de guitarristas que formaron parte alguna vez de The Yardbirds.
      En el concierto en el Madison Square Garden de Nueva York, el vocalista fue Paul Rodgers, futuro vocalista de The Firm y antiguo miembro de Free y Bad Company. Durante esta serie de conciertos, el aspecto de Page era enfermizo y débil, ya que, según el libro Hammer of the Gods, Page había dejado su adicción a la heroínadespués de siete años.
      Posteriormente, Page se juntó con Roy Harper para grabar un disco, llamadoWhatever Happened to Jugula?, y participar en ocasionales conciertos,en los que predominaba un estilo acústico y orientado hacia el folk acompañando a grupos como The MacGregors o Themselves. En 1984, Page grabó un disco con el ex vocalista de Led Zeppelin y antiguo compañero suyo, Robert Plant, bajo el nombre de The Honeydrippers. Además, se unió a Paul Rodgers para componer y grabar dos discos bajo la denominación de The Firm. El primer álbum, The Firm, alcanzó el puesto número 17 en la lista pop de Billboard con exitosas canciones como "Radioactive" o "Closer", y superó el millón de ventas en los Estados Unidos. The Firm fue seguido de Mean Business, no tan exitoso como su antecesor, por lo que sus miembros decidieron abandonar el proyecto.
      A The Firm le siguieron varios otros proyectos. Page volvió a trabajar como músico de sesión para The Rolling Stones,Graham Nash, Box of Frogs y Robert Plant. Además, editó su propio álbum en solitario en 1988, Outrider, y realizó junto con el vocalista de Whitesnake, David Coverdale, el disco Coverdale Page, este disco salió a la venta en marzo de 1993, aunque lamentablemente sólo hicieron una mini-gira por Japón. Se dice que el manager de Page arruinó todo lo que debería haber sido una reunión de dos monstruos del hard rock inglés. También compuso y grabó la banda sonora de la película Death Wish 2, de 1982, y colaboró con su ex-compañero John Paul Jones en la de Scream for Help, de 1985.
      Los miembros supervivientes de Led Zeppelin se reunieron en 1985 para una breve actuación en el recordado conciertoLive Aid, con Phil Collins y Tony Thompson alternándose en la batería. Sin embargo, los continuos problemas de Page con las drogas y su floja performance durante dicha presentación, hicieron que los miembros de la banda considerasen la mala calidad de esta actuación, negándose a que apareciesen fragmentos de su concierto en el DVD editado para celebrar el 20 aniversario de Live Aid. Un año después, en 1986, Page se reunió temporalmente con sus ex compañeros de The Yardbirds para interpretar algunas canciones del disco Strange Land, de Box of Frogs.
      Led Zeppelin se reformó el 14 de mayo de 1988 para tocar únicamente en el concierto de celebración del 40 aniversario deAtlantic Records, con Jason Bonham ocupando el puesto de su padre en la batería.
      En 1994, Page y su ex-compañero y socio creativo en Zeppelin Robert Plant se reunieron para grabar un concierto de la serie "Unplugged" de la cadena MTV. El especial, renombrado como Unledded, no contó con la participación de John Paul Jones, y fue una de las emisiones más exitosas de la cadena. En octubre del mismo año, la grabación del programa salió al mercado bajo el nombre de No Quarter. Debido al éxito de la gira de presentación de No Quarter, Page y Plant grabaron otro disco - esta vez con canciones nuevas grabadas en juntos en 1998, que se publicó bajo el título de Walking into Clarksdale.
      El Salón de la Fama musical británico incluyó a Led Zeppelin en 1995, lo que se convirtió en la segunda inclusión de Jimmy Page dentro de este Salón, ya que tuvo el mismo honor en 1992, cuando The Yardbirds obtuvieron la misma calificación.
      También en 1998, Page colaboró con el rapero estadounidense Puff Daddy para grabar una versión de "Kashmir" para la banda sonora de Godzilla.La canción, titulada "Come with Me", fue interpretada por sus dos autores en el Saturday Night Live.
      1999 vio la gira de Page con el grupo The Black Crowes, y 2001, la aparición del guitarrista junto con Fred Durst (vocalista de Limp Bizkit) y Wes Scantlin (guitarrista de Puddle of Mudd) para interpretar en directo la canción "Thank You" en la gala de los premios MTV europeos en Fráncfort del Meno.
      En 2005, Page fue galardonado con la Orden del Imperio Británico en reconocimiento de su trabajo como embajador de caridad en Brasil, y nombrado hijo predilecto de la ciudad de Río de Janeiro. Un año después fue introducido en el Salón de la Fama del Reino Unido de Música del Reino Unido junto con el resto de los miembros de Led Zeppelin, siendo su segunda inclusión en este Salón después de que The Yardbirds consiguiesen su lugar en 1992. En la presentación por televisión del acto, aparecieron varios personajes del mundo de la música alabando el trabajo de Page seguidos de un corto discurso del protagonista. Después de ello, Wolfmother interpretó el tema "Communication Breakdown" en directo.
      El 10 de diciembre de 2007 dio lugar en el estadio O2 Arena de Londres un concierto de Led Zeppelin, contando de nuevo en la batería con Jason Bonham, hijo de John Bonham. El concierto congregó a más de 20.000 personas en el estadio londinense.
      El 24 de agosto de 2008 participó, como representante de la delegación británica de Londres 2012, en la ceremonia de clausura de los Juegos de Pekín 2008. Tocó el tema "Whole Lotta Love", que fue interpretado conjuntamente con Leona Lewis.
      Pendiente de distribución en España el documental “It might get loud” (2008) de Davis Guggenheim, que reúne a Jimmy Page con otros dos virtuosos de la guitarra - The Edge de U2 y Jack White de The White Stripes y The Raconteurs - en el que cada guitarrista revela las influencias que marcaron sus respetivos estilos. Presentado en el Festival de Cine de Toronto, el documental incluye canciones inéditas y una jam session de los guitarristas. 
      • Vida privada
      Entre 1970 y 1983 Jimmy Page estuvo casado con la modelo Francesa Charlotte Martin, ex novia de Eric Clapton. El ex-matrimonio tiene una hija llamada Scarlett Lilith Page (nacida en 1971), actualmente es una reconocida fotógrafa y madre de la primera nieta de Jimmy, Alice Brown.
      Posteriormente (en 1986) se casa con Patricia Ecker, con quien tuvo su segundo hijo, James Patrick Page III. En 1995 se divorciaron. Ese mismo año Page conoce a la brasileña (hija de argentinos) Jimena Gomez-Paratcha, con quien entablaría una relación que duró hasta 2008.
      Junto a ella tiene 2 hijos legítimos Zofia Jade (nacida en 1997) y Ashen Josan (nacido en 1999) y Jana (nacida en el '94), hija de Jimena a quien Jimmy adoptó.
      En 1972 Page adquirió "The Tower House", una casa gótica comprada al actor Richard Harris, la cual originalmente fue diseñada por el arquitecto William Burges para sí mismo. Burges poseía una labrada reputación dentro de la arquitectura gótica en el siglo XIX.
      Desde mediados 1980 hasta 2004, Page vivió en una residencia llamada "Mill House", situada en Windsor, Inglaterra. En este hogar, antigua propiedad del actor Michael Caine, falleció el baterista John Bonham.
      Por otra parte, desde principios de los años 70 hasta principios de los 90, Page fue propietario de la llamada "Boleskine House", mansión ubicada sobre la costa sudeste del Lago Ness, en Escocia, la cual fuera antigua residencia del místico inglés Aleister Crowley, del cual Page es un ferviente admirador. En los alrededores de esta casa se rodaron algunas escenas de la película de Led Zeppelin, The Song Remains the Same.
      1-Relaciones con el Ocultismo
      A comienzos de la década de 1970, Page poseía una librería dedicada al campo del Ocultismo en Londres, llamada "The Equinox Booksellers and Publishers" ("Vendedores y editores del Equinoccio"), que tuvo que cerrar debido al escaso tiempo del que disfrutaba Page, a causa del estallido de popularidad de Led Zeppelin. La librería publicó el libro The Goetia, de Aleister Crowley, en su edición de 1904.
      Sin embargo, lo que más relaciona a Page con el ocultismo es la inclusión en la portada del disco Led Zeppelin IV de cuatro símbolos que representaban a cada uno de los miembros de la banda. Durante los conciertos de presentación de este trabajo, Page solía salir a escena con símbolos del zodíaco bordados en sus ropas, junto con uno de los símbolos del disco, nombrado popularmente como "ZoSo". Esto llamó la atención de muchos fans de la banda y alimentó su curiosidad. Aunque el símbolo en sí sigue siendo un misterio, se sabe que tiene su origen en Ars Magica Arteficii, un grimorio de 1557, cuyo autor esGerolamo Cardano, en el que se identifica al símbolo de "ZoSo" como satánico. Previamente, algunas especulaciones apuntaban a que la procedencia del signo podría haber surgido de un libro llamado Zos Speaks, de Austin Osman Spare, distribuido por Page en su antigua librería. Otra teoría afirmaba que "ZoSo" podría derivar de un estilizado 666, o que podría estar relacionado con la disciplina esotérica hebrea de la Cábala. Sin embargo, se acepta mayoritariamente la teoría del grimorio como la verdadera, por lo que es probable que las otras dos sean incorrectas. También se ha expuesto que la creación del signo es simplemente un garabato de Page, sin sentido específico. El guitarrista nunca ha declarado nada con respecto al significado del símbolo.
      El logotipo de Swan Song, la compañía fundada por Led Zeppelin en 1974 para editar sus trabajos discográficos, consiste en una figura de Apolo, dios griego de la luz y la razón, aunque es a veces malinterpretada como si fuese una imagen deÍcaro, quien murió abrasado por volar demasiado cerca del Sol, o de Lucifer, el ángel caído que fue expulsado del Cielo y que se convirtió posteriormente en Satanás, de acuerdo a la tradición cristiana. La representación de Apolo está basada en un cuadro del artista William Rimmer, Evening: Fall of the Day, de 1869.
      Por su parte, el diseño interior del disco Led Zeppelin IV está basado en una carta del Tarot, llamada "El ermitaño": Page se transforma en este personaje durante una secuencia de la película The Song Remains the Same.
      Page fue, además, invitado a escribir la banda sonora del corto cinematográfico Lucifer Rising, rodada por otro admirador de Aleister Crowley, el director Kenneth Anger. A su vez, Page permitió que se rodasen algunas escenas de la película enThe Tower House, su residencia en Londres. Como resultado del proceso de composición de la banda sonora del corto, Page escribió únicamente 23 minutos de música, algo que a Anger le pareció insuficiente, argumentando que Page había tardado tres años en escribir sólo 23 minutos de música. El director cargó en declaraciones contra Page, diciendo que tenía "un lío con la Dama Blanca" (en referencia a la cocaína), que era "un ocultista pretencioso", y que "estaba tan enganchado a las drogas que era incapaz de terminar el proyecto". Page respondió arguyendo que había terminado todas sus responsabilidades, y que incluso ayudó a Anger a terminar la película prestándole su propio material de grabación. Las composiciones de Page fueron reemplazadas en la película por la obra de un Bobby Beausoleil, personaje relacionado conCharles Manson, y asesino convicto, que compuso la banda sonora desde su estancia en prisión. La grabación de la banda sonora no editada de la película, compuesta e interpretada por Jimmy Page, viene circulando en diversas ediciones piratadesde los años 70, con diferentes portadas y bajo diferentes nombres, aunque el material tiene una calidad de sonido muy deficiente. Se rumorea que el inicio de la canción "In the Evening", que aparece en el disco In Through the Out Door de Led Zeppelin, fue extraído de esta banda sonora inédita, aunque parte de la banda sonora de Lucifer Rising fue reciclada y usada por Page para la composición de la correspondiente a Death Wish II.
      2-Adicciones a la heroina y a la cocaina
      El propio Jimmy Page ha admitido su adicción a las drogas durante la década de los '70. En una entrevista a la revistaGuitar World en 2003, Page dijo: "No puedo hablar acerca de los demás (en referencia al resto de los miembros de la banda), pero para mí las drogas fueron una parte integral de todo, desde el comienzo hasta el final".
      Durante el año 1973, la droga más utilizada en el seno de Led Zeppelin era la cocaína, teniendo a Page, John Bonham,Peter Grant (mánager del grupo) y Richard Cole (mánager de las giras del grupo) como principales consumidores. Después de la gira por Estados Unidos de ese año, Page le dijo a Nick Kent: "Oh, todo el mundo se ha pasado del límite un par de veces. Sé que yo lo hice y, para serte honesto, no me acuerdo muy bien de mucho de lo que pasó".
      En 1976, Page comenzó a consumir heroína introducido por Richard Cole, quien reconoció que él y Page habían estado usando la droga durante la grabación de Presence ese año. Page admitió poco después que era un adicto a la droga y comenzó a fumar intensamente como método para abandonar su adicción.
      Hacia el año 1977, la adicción de Page estaba comenzando a afectar su capacidad para tocar la guitarra,como puede apreciarse en las ediciones pirata de sus conciertos durante ese año. Las drogas también afectaron su aspecto físico (perdió bastante peso durante su etapa de adicción) y psicológico, ya que comenzó a aislarse paulatinamente de Robert Plant y del resto de los miembros de Led Zeppelin. Durante las sesiones de grabación de In Through the Out Door en 1978, el peso de las composiciones recayó en la figura de John Paul Jones, ya que la adicción de Page a la heroína provocó numerosas ausencias del estudio de grabación durante largos periodos de tiempo.
      El guitarrista dijo haber superado su adicción a comienzos de la década de los '80. En una entrevista ofrecida en el año1988 a la revista Musician, Page se ofendió cuando el entrevistador notó que su adicción a la heroína había estado asociada a su nombre, e insistió: "No soy un adicto, muchas gracias".
      • Instrumentos
      1.Guitarras eléctricas
      Con una colección de 1500 guitarras como lo fue mencionado en una entrevista a BBC en 2005. Entre ellas:
      1958 Gibson Les Paul Standard
      1959 Gibson Les Paul Standard. Esta es su guitarra primaria y tiene varias modificaciones como el cuello es mucho más delgado y las pastillas son "Burstbuckers" una de ellas sin la cubierta cromada (de la pastilla del puente). Esta guitarra fue un regalo del guitarrista de The Eagles, Joe Walsh.
      1959 Danelectro 3021 AKA 59-DC. (Con la afinación en Re).
      1964 Fender Stratocaster. Usada en las grabaciones del álbum In Through the Out Door, y en 1979 en Knebworth en "In the evening"
      1959-60 Fender Telecaster 1960-1965. Un regalo de Jeff Beck, esta guitarra fue repintada con un dragón psicodelico.
      1971 Gibson EDS-1275 (Usada para tocar las versiones en vivo de "Stairway to Heaven" "The song remains the same" "Rain Song" entre otras).
      1973 Gibson Les Paul
      1978 Gibson Les Paul
      Gibson RD Artist de 1977, usada en “Misty Mountain Hop” en 1979.
      Fender Electric XII de 1965. Esta era una guitarra de 12 cuerdas usada en “Thank You”, en “Stairway to Heaven” y en otros temas con este tipo de guitarras.
      Gibson Les Paul Black Beauty
      Vox 12-String de 1967
      2. Guitarras acústicas
      Gibson J-200
      Martin D28
      Ovation Acoustica
      Gibson Everly Brothers Modelo Acoustica
      Giannini 12-String Acoustica
      Harmony Sovereign Acoustica
      Washburn 12 String Acoustica
      Ovation 1994 Double Neck Acoustica

      3. Amplificadores
      Fender Tonemaster Heads
      Wizard Classic Heads
      Fender Tonemaster 4x12 Cabinets
      Vox AC30
      Marshall SLP-1959 100 watts modified
      Supro (modelo desconocido) 1x12
      Orange 100 watt amp y cabinet
      Hiwatt 50
      Petersburg JP-100 amplifiers

      4. Modelos Signature
      Sola Sound Tone Bender Professional MKII
      Pete Cornish Custom Switching System
      Crybaby Wah-Wah
      MXR   Phase 90
      MXR Boss CE-2 Chorus
      Yamaha CH-10 Mark II Chorus
      Echoplex
      Theremin
      • Discografia
      1- Con The Yardbirds
      Little Games (1967)
      2- Con The New Yardbirds
      London Blues, bootleg (1968)
      3- Con Led Zeppelin
      4- Con The Honeydrippers
      5- Con The  Firm
      The Firm (1985)
      Mean Business (1986)
      6-En colaboración con otros artistas
      Don't Send Me No Flowers (también conocido como Jam Session) (1968, grabado en 1964 con Sonny Boy Williamson, Brian Auger y otros)
      No Introduction Necessary (1968, con John Paul Jones & Albert Lee)
      Lord Sutch and Heavy Friends (1970, con Screaming Lord Sutch)
      Whatever Happened to Jugula? (1983, con Roy Harper)
      Strange Land (1986, con Box of Frogs)
      Coverdale Page (1993, con David Coverdale)
      No Quarter (1994, con Robert Plant)
      Walking into Clarksdale (1998, con Robert Plant)
      Live at the Greek (2000, con The Black Crowes)
      Last Man Standing (2006, tema: "Rock and Roll" con Jerry Lee Lewis)
      7-En solitario
      She Just Satisfies / Keep Moving, single (1965)
      Outrider (1988)
      8- Bandas sonoras
      Death Wish II (1982)
      Scream for Help (1985, con John Paul Jones)
      Godzilla: The Album (1998, tema: "Come With Me" con Puff Daddy)
      Lucifer Rising and Other Sound Tracks (2012)
      http://es.wikipedia.org/wiki/Jimmy_Page
      http://listas.20minutos.es/lista/51-grandes-guitarristas-379421/

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